Sons et vers émis par la grenouille arboricole méditerranéenne

Sons et vers émis par la grenouille arboricole méditerranéenne

SONS ÉMIS PAR LES ANIMAUX

Le son de la grenouille arboricole méditerranéenne

La grenouille arboricole méditerranéenne, nom scientifique Hyla meridionalis est un amphibien de la familleHylidaeIl a un chant fort et répété et est émis grâce à un sac vocal que les mâles ont sous le menton qui fonctionne comme une caisse de résonance. Il est émis pour attirer les femelles pour l'accouplement et plus il y a de mâles dans la région, à tel point Plus la chanson est forte.


Dans l'antiquité classique, le serpent à sonnette est un type de battacio ou de castagnettes utilisé en danse, le groupe religieux de la Grèce antique, et ailleurs, par exemple: chapin.

Certains auteurs ont supposé à tort que le terme équivaut à «sistre». Ces erreurs ont été réfutées par Friedrich Adolph Lampe 1683-1729 De cymbalis veterum I, 4, 5, 6. Sur la base de ce qui est écrit dans le Suda, et la scholiaste d'Aristophane, les Nuages, v. 260, il semble que le serpent à sonnette soit formé d'une tige ou d'un roseau uniforme, qui faisait du bruit quand il était secoué avec la main. Selon Eustache de Thessalonique Al., XI, 160, il était en laiton ou en bois. Clément d'Alexandrie attribue l'invention des instruments aux Siciliens, et interdit l'utilisation des chrétiens, en raison des mouvements et gestes qui accompagnaient l'exposition.

Les femmes qui jouaient le serpent à sonnette étaient appelées crotalistriae. Un exemple de ceci est Copa v. 2:

Ce vers fait allusion à la danse avec le serpent à sonnette, semblable aux castagnettes, pour garantir le témoignage de Macrobius.

Puisque l'instrument produit un bruit similaire à celui de la grue, l'oiseau a été appelé crotalistria, "le joueur de serpent à sonnettes".

Pausanias le Periegeta dit, citant le poète épique Pisandro di Camiro, qu'Héraclès n'a pas tué les oiseaux du lac Stymphalus, mais les a emmenés jouer le serpent à sonnette. À en juger par cela, l'instrument doit être particulièrement ancien.

Le mot krotalon est souvent appliqué, comme simple métaphore, à une personne bavarde. L'un des noms espagnols du "serpent à sonnettes" est crótalo.

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  • La grenouille d'arbre, ou tric trac, est un instrument de musique idiophone avec un son indéterminé, en bois, qui produit des sons courts et secs en tournant
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Instruments inventés par les Egyptiens.

Accord de guitare orang-outan. Les groupes locaux ne dînent pas, et les quelques magasins d'instruments de musique ont été peints à la main sur la grosse caisse comme les grands, pour un grand groupe, Crotalo. Crotals instrument grec. La définition du serpent à sonnette est des termes, des rêves, des phrases. Rattlesnake Noun Masculine. ancien instrument de musique de la région gréco-égyptienne semblable aux castagnettes. Etymologie: De Lat. Traduit en 10 langues.

Outil Cymbales.

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C'est un instrument doux, le serpent. queue d'un serpent à sonnettes Dans ma première vie, j'étais un musicien classique et j'ai adoré l'ancien. Puis quand Godard change de front musical et se tourne vers le jazz, il l'emporte avec lui. Lanellone aux nœuds Piceno, un objet plein de charme et de mystère. Et soudain avec un serpent à sonnette sur le tympan qui rappelle l'idée des vagues de Martenot. Un hommage musical dévoué au grand explorateur de la voix Demetrio Stratos. Organique: Version 3 Contrabasses, un instrument à clavier aussi a. Cròtalo Google Trends. Métal. Le gong, le sémantro, le serpent à sonnettes on peut Ces instruments au départ étaient des compétences, car il faut obtenir un instrument de musique avec des exigences précises.

Instruments de musique dans la Rome antique Homolaicus.

Ce n'est pas un instrument de musique, mais un instrument liturgique sacré du Cròtalo: un instrument à percussion formé par deux valves de bois ou de. Joe Caruso Blues Band Blues. Des animaux à l'émission sonore et aux instruments de musique créés par l'homme. jeu: nous imitons les sons de l'éléphant, du lion, de la vache, de l'âne, du serpent à sonnette, de la bouteille bleue. CROTALI ET TROCCULI Cristina Guarino Facebook. Instruments de musique 8 le krotala. 27 août 2016 5 mars 2020. krotala im.jpg Dionysos avec thyrse et kantharos, dansant Satyre avec krotala. Peintre Oionokles. Etymologie: Caciocavallo Agorà Writers Dream Community. Instrument à percussion en bois, utilisé dans l'ancienne église de San Matteo ap. à Montenero di Bisaccia. Ancien instrument de musique de serpent à sonnette.

Différents versets. Un parcours didactique expérimental à travers Anisn.

Les cròtali, parfois aussi appelées cymbales anciennes, sont des instruments de percussion idiophones au son déterminé, constitués de petits disques métalliques. Chacun de ceux-ci mesure de 6 à 12 cm de diamètre avec une surface plane sur le dessus et une base qui lui permet de se balancer et de vibrer librement. Crotalo Photos historiques Instantanés de la vie. Espagnol par excellence, Federico García Lorca, pour qui plusieurs musiciens ont II. Le Guitarra! III. Puñal! IV. Procesión. V. Memento. TOI. Baile. VII. Crótalo! Jouer! La! Guitare! Et! Archlute,! Un! Instrument! De! Musique! Qui! Dates! À!.

Bref historique des aérophones en sac Circolo della Zampogna.

Il plaisantait… En fait, ce mot étrange a une histoire très respectable. Le zerre ou tric trac ou cro est un instrument de musique. C Archéologie vivante. Male Noun Music, instrument de musique ancien similaire aux castagnettes, en usage spécifique en Grèce et en Egypte. Nom masculin Serpent venimeux,. Crotalo Liturgy Negapedia. De Magna Graecia, une période particulièrement heureuse pour l'invention à la fois de chansons différentes, comme la bucolique, et de quelques instruments de musique, comme le serpent à sonnettes. Crotalo Ed. Musicali Paul Chain Heavy Metal Rock Pop Dance. Serpent à sonnette: m i 1. m a e zool. Définition et signification du terme serpent à sonnette. 2. Instrument de musique idiophone similaire aux castagnettes, utilisé dans le monde antique. Unreleased Vol 1. Voici les instruments de musique utilisés par cette très ancienne civilisation égyptienne. La musique était un aspect très important de la vie.

La troccola di Puglia le Vendredi Saint CanosaWeb.

Lésorcisme musical inhérent à l'empoisonnement par la morsure de la tarentule dans le célèbre traité Sertum serpent venimeux, le serpent à sonnette et la vipère. Il est également considéré comme un instrument d'une divinité qui contrôlerait ses forces. Les serpents. 08 Melini 20091218 GC ER.rtf. Objets sonores et instruments de musique en Sicile du néolithique au début du bronze et de l 'âge de Castagnette 4 Crotalo avec tablettes 6 Tableau 4. Grenouille arboricole 10.

Musique dans l'Egypte ancienne Instruments de musique.

Illustration de serpent à sonnette. Gravure sur papier. Armoire harmonique Plein d'instruments sonores indiqués, et expliqués par son père Filippo Bonanni, Stamperia di. Douzième épisode du lundi 17 février 2020 Commentaires sur. Crotalo est synonyme de serpent à sonnette, mais aussi en tant qu'instrument de musique de cet instrument purement carême prend des noms différents selon le. Comment échouer Voir la liste complète. En latin, le serpent à sonnette est un instrument de musique, je ne sais pas si bien fait, et, de même, cascavel en espagnol signifie hochet ou castagnette.

Guide des instruments de musique les plus anciens Non seulement la culture.

Dans l'antiquité classique, le serpent à sonnette était un type de battacio ou castagnette utilisé dans les danses de groupe religieux dans la Grèce antique et ailleurs, par exemple par les coribants. Certains auteurs ont supposé à tort que le terme était. Histoire et philosophie de zerre - Intrecci Design. Communément appelé un serpent à sonnette. ancien instrument de musique appelé serpent de rattell, reçoit le nom scientifique de cròtalo. Œuvres Stefano Guarnieri. Serpent à sonnette: mus. Ancien instrument de musique similaire aux castagnettes, en usage spec. en Grèce et en Égypte. Définition et signification du terme serpent à sonnette.

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Crotalo, CROTALI: Instruments à percussion en bois ou ivoire. De nombreux spécimens restants sont sculptés en forme de mains et décorés de têtes humaines ou animales. sistre. Crotalo: Définition et signification du dictionnaire italien Crotalo. Roberto Melini - Charles Burney et l'archéologie musicale de l'ancienne région du Vésuve. 85 de la visite de la salle où étaient exposés les instruments de musique. la moitié du crotale contre l'autre moitié tenant le jeune Figure 22.60. Tous les sons du monde Pi. C'est l'instrument de musique qui a donné son nom au serpent, et non l'inverse comme beaucoup le croient. Crotalo, étymologiquement, signifie vraiment castagnette et époque. Les origines du vin et de la musique - Marco Solforetti. Sa créativité à travers des outils virtuels. Ses genres musicaux préférés sont le rock, le jazz, la fusion et ses artistes préférés absolus sont Queen, Pantera,. Réserver Pour éviter de tomber malade de la sistrite, il suffit de sourire! N. Seuls 2 spécimens de cet instrument ont été trouvés qui ont été conservés dans la tombe de Toutankhamon. Instruments de musique de Crotalo:.

Ce que les Egyptiens ont joué Lettera43 Comment le faire.

Instrument de musique à percussion idiophone, les castagnettes sont connues depuis l'Antiquité sous le nom de serpent à sonnette, différents sont les matériaux utilisés au cours de. Vous avez recherché Institut des archives musicales théâtrales iconographiques pour. Un serpent à sonnette, un instrument de musique ancien, comme celui du vase Grenier photo 4, mais un battant n'a jamais été retrouvé. Giovanni Rocchi soutient que oui. Instrument de musique Crotals. Sur ce sujet, Curt Sachs Histoire des instruments de musique, Milan 1985, pp. crispum sub crotalo docta movere latus, ebria formosa saltat taverne lascive,.

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Pino - jeu de plateau logique basé sur la tactique et la stratégie. En général, il s'agit d'un remix d'échecs, de dames et de coins. Le jeu développe l'imagination, la concentration, apprend à résoudre des tâches, à planifier ses propres actions et bien sûr à penser logiquement. Peu importe le nombre de pièces que vous avez, l'essentiel est de savoir comment elles sont placées!


Son onomatopée Fii fii

Plus de 1 022 000 hôtels en ligne LA FONCTION DES SONS ONOMATOPÉIQUES CHEZ L'ENFANT MORENO MANGHI Les petits enfants utilisent les mots, les combinent, jouent avec eux, jusqu'à découvrir un sens étranger à leurs attentes. Paul K. Feyerabend, Contre la méthode. L'orthophoniste sort une petite voiture de la boîte et la place sur ONOMATOPEE. Les onomatopées (également appelées phonosymboles) sont des mots invariables ou des groupes de mots qui reproduisent ou évoquent un son particulier, comme le cri d'un animal ou le bruit produit par un objet ou une action. , très courant dans la langue des enfants et pour les enfants. bau, miao, grrr, chicchirich Faites le son des Indiens Dire Sh! s'endormir Grognant comme un chien Vous pouvez utiliser un verre pour vocaliser à l'intérieur comme AHHHH. ou vous pouvez utiliser un rouleau de papier toilette ou un entonnoir. Faites d'autres sons de corne comme un bip et un vroom et les enfants adorent les sons onomatopées

L'onomatopée est une figure rhétorique qui reproduit, à travers les sons linguistiques d'une langue spécifique, un bruit ou un son à travers une procédure iconique typique du phonosymbolisme.Ils sont souvent utilisés dans des séries répétées telles que: bau bau, plin plin, crac crac ou en une seule syllabe: patapum. Les onomatopées peuvent également être utilisées comme noms d'Onomatopées. Des mots comme vous. Le terme onomatopée, du grec onomatopoiìa ("faire, construire un mot"), est appliqué à cet ensemble d'expressions linguistiques qui imitent presque parfaitement la chose à laquelle elles se réfèrent: bruits d'animaux, bruits de la nature, humeurs, sentiments et sensations de l'homme. Entre exclamations et rires. Dans l'économie des différentes langues, le. Nous proposons aux enfants six percussions, chacune avec un timbre différent: un tambour sur cadre sans hochets, un triangle, une cymbale suspendue, une maraca, un bloc sonore, un guiro. Nous jouons un son à la fois et demandons ensuite aux enfants d'essayer de reproduire ce son avec leur voix. Lequel, parmi ces instruments, peut-on attribuer?

SONS ONOMATOPÉIQUES ET LANGUE DE LA BANDE DESSINÉE Anf: son onomatopéique qui indique une sensation d'essoufflement (par exemple le halètement de quelqu'un qui vient d'arrêter de courir). Argh: son onomatopéique qui indique ressentir une douleur intense ou être horrifié par quelque chose (également utilisé avec plus d'un r). Auch: exclamation indiquant que quelqu'un vient d'être blessé L'onomatopée est une figure de style à travers laquelle on crée des mots qui imitent des sons naturels. La langue italienne est très riche en mots similaires, il suffit de penser au lexique lié aux sons des animaux. L'onomatopée est une grande source de divertissement pour les écrivains et les poètes: on voit des onomatopées en action dans certains vers de Pascoli, Aristophane, Aleksandr Blok et Maurizio Bettin Les poèmes onomatopées se présentent sous de nombreuses formes et les sons d'animaux sont des choix populaires pour cet appareil poétique, surtout lorsque le le public cible est jeune. Tout comme les contes d'animaux sont intrigants pour les enfants, les sons que font les animaux sont des éléments amusants qu'ils apprécient.Il dérive du son de reprendre son souffle ou de s'essouffler est également utilisé lorsqu'un personnage prend son souffle en mangeant

Qu'est-ce que l'onomatopée. Onomatopée fait référence à un mot qui imite phonétiquement, ressemble ou suggère la source du son qu'il décrit. Onomatopée vient du grec onomatopoïia qui signifie «créer des mots». C'est un mot qui imite le son d'une chose. Crée un effet sonore qui imite le son naturel produit par l'objet décrit L'onomatopée. Viola aimerait savoir si l'on peut dire un son onomatopéique C. Tresca demande des précisions sur les verbes onomatopéiques. L'onomatopée. Le terme onomatopée est un nom féminin appartenant au langage technico-scientifique de la linguistique. Il dérive du latin onomatopée tardif (m), à son tour du grec onomatopoiìa, composé de onomato-, de onoma «nom» et del. les sons et les vers émis par les oiseaux Le chant des oiseaux a toujours été l'objet d'intérêt de la part des poètes, des écrivains et des musiciens. En réalité c'est un vrai langage qui ne s'articule pas mais qui répond à des situations qui surviennent dans la vie comme les états de danger, d'inconfort, d'agression, de demande de nourriture, de parade nuptiale, etc. Ils en découleraient alors généralement, ou indirectement par une onomatopée. processus, certaines onomatopées.secondaires, ou artificielles, qui sont des mots ayant une signification particulière, comme c'est le cas des termes qui indiquent la manifestation d'un son: miaulement, aboiement, bourdonnement, bruissement, tique, agitation, grondement, etc.

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  • Explication et exemples L'onomatopée a des domaines d'application et des méthodes d'utilisation très différents, allant de l'imitation la plus fidèle possible de sons réels à la combinaison de voyelles et de consonnes (pensez à bang, bau, meow, din don dan, tic, plop, haha , etciù, et leur utilisation très fréquente dans la bande dessinée) à l'utilisation de verbes qui reproduisent la sensation que dans le son.
  • Lieu: Marradi (FI) Discours de valerio_vanni »Mar, 18 Nov 2014 11:16. À mon avis, cependant, l'enracinement, c'est quand il fouille sur le sol à la recherche de. Dans le tableau, il me semble que de nombreux versets dérivés de la diffusion de la bande dessinée ont été inclus, où les sons onomatopées, étant bien intelligibles, étaient rarement traduits même dans.
  • Comme le montrent ces exemples, les mots onomatopées peuvent refléter une variété de sons, y compris les sons émis par la nature, les humains et les animaux. Lisez les phrases ci-dessous et essayez d'identifier les mots onomatopées qu'ils contiennent. Il a couru dehors sous une pluie battante. La voiture a heurté le mur avec un fort bang
  • Lorsque des bruits, des sons, des vers sont imités dans une langue, en les traduisant en mots qui ont les phonèmes et l'orthographe de la langue elle-même, nous avons une onomatopée. C'est donc un processus qui passe d'une langue à une autre, et que même si les éléments phoniques suggèrent le sens du mot, sa genèse reste arbitraire, résultat de décisions impénétrables et du hasard.
  • Réponses pour la définition * Son onomatopéique indiquant la tristesse * pour les mots croisés et autres jeux de puzzle comme CodyCross. Réponses pour les mots croisés commençant par les lettres S, SO

Les sons des animaux ne sont pas des sons génériques mais portent des noms très précis selon les espèces. Nous les listons dans cette liste .. C'est un moment pour jouer et s'amuser avec la voix et les sons onomatopées. 2ème RENCONTRE: le livre L'ucccellino fa est repris, composé de 56 images. Les quatre enfants sont invités à en choisir 20 qu'ils doivent ensuite reproduire graphiquement en utilisant du matériel conventionnel mais surtout avec du matériel recyclé. 8 messages sur 8. sons onomatopées: Buongiorgio: 24/01/00 12:00 AM> Toutes les langues du monde ont leurs différents sons onomatopées. Les gens essaient de prononcer les sons réels avec les sons> qui se produisent naturellement dans leur propre langue. Pour conclure l'expérience, les enfants construisent le bâton de pluie à emporter à la maison en utilisant des tubes en carton de différentes tailles avec des cure-dents insérés. Et les coquilles hachées insérées dans le la cavité du tube, avec le mouvement, produit une cascade de sons délicats qui rappellent le son de l'eau qui coule Ronfi: puzzles darwiniens et sons onomatopées SBAM! C'est le son que nous pensons que le cahier de Charles Darwin a dû produire lorsqu'il est tombé de ses mains, le jour où il est tombé sur cette espèce animale incompréhensible.. Rongeurs, et jusqu'ici tout va bien

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Effets sonores de science-fiction (Sci-Fi) (99) Foule (9 Description: Bruit de verre à boire qui se brise ou se brise.Convient pour les jeux, le théâtre, le film, la présentation et bien d'autres autres sons onomatopées, tels que la voix d'orgue et le mouvement des vagues, le tout rendu avec des sons magiques de grand effet, le son de l'orgue augmente donc en intensité jusqu'à ce que la cathédrale soit sortie de la mer, puis disparaît lentement lorsque l'île d'Ys revient à être submergée.

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  1. Une ressource remarquable, sur laquelle s'attarder. Le caractère onomatopéique de ce mot est particulièrement accentué, et évoque un écho fort, sombre et prolongé avec la répétition du son profond «mb» - réaffirmé par un «ré» itératif. De plus, c'est une suggestion onomatopéique très ancienne, dont la racine se trouve sur un pied d'égalité en latin
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  5. Le chien va tromper. C'est certainement l'un des versets les plus connus et les plus aimés des enfants. Cependant, selon ce qu'ils veulent exprimer, ces animaux n'aboient pas, mais gémissent quand ils le font.
  6. En plaçant leurs propres tuiles, ils peuvent imiter le son de l'animal ou le son de l'objet représenté, ou imiter une action qui les affecte. Associer des illustrations à des sons onomatopées est un moyen idéal de s'amuser avec sa voix

Musique, son, bruit, voix, dans certains canons (anti) du XXe siècle Documents à distribuer Manganelli - Savinio - Futurisme - Montale - Barilli - Gadda - Vigolo - Arbasino - Calvino - Sanguineti - Balestrini - Rosselli. Perspectives sonores dans la littérature italienne '900: entre assimilation, émulation et conflit (par rapport à l'expérience musicale) Science-fiction (Sci-Fi) Effets sonores (99) Foule (9 Description: Bruit d'un homme qui tousse avec une toux grasse. Idéal pour les projets nécessitant ce type d'effet audio

. Lorsque le latinorum a été interprété à la manière de Renzo Tramaglino, en fait, repulisti évoquait l'image du balai qui nettoie tout. bissa qui garde mes pieds, si je cherche la mer de Shanghai et Hong Kong, ou si une fois moi.

ONOMATOPEE dans la grammaire italienne

  • Bref, un son onomatopéique devenu très populaire en peu de temps. Quelques exemples: vingt-quatre heures après la course, il est toujours à la cinquième place parmi les sujets de tendance italiens
  • Utilisez beaucoup de mots et de sons onomatopées. Ce qu'il ne peut pas dire avec des mots, il le fait (exemple: alors qu'il ne pouvait toujours pas dire ni gelée ni nourriture à 24 ans, la soupape de sécurité du gaz s'était ouverte, il avait posé la casserole sur la plaque de cuisson et était monté avec la chaise pour prendre un Suisse dans le frigo)
  • DIDGERIDOO, LE SON DU TEMPS DE RÊVE. Stefano Fusi Au pied de l'arc-en-ciel, dit la légende, il y a le pot d'or. L'arc-en-ciel est un symbole de paix et de réconciliation, de l'esprit qui apparaît sur terre sous forme de couleurs et de vibrations vraies et réelles même si `` illusoires '', une métaphore parfaite de notre vie qui est à la fois concrète et faite de rêves
  • Dans la soirée, allongée sur son lit, elle a relu la lettre de son artilleur au front (Le Soir, Couchée dans son lit, elle relisait la lettre de son artilleur au front), publiée dans Les Mots en liberté futuristes MET DP371749.jpg 2 690 × 3 877 3,07 millions
  • Parlons de Bronte - Archéologie lexicale 3 Association Bronte Insieme Onlus www.bronteinsieme.it Je pensais depuis longtemps rassembler et expliquer les mots les plus anciens de la langue Bronte1 et pour cela je voulais retracer la thèse de ma chère ami Gregorio Sofia qui avait intéressé
  • accia, fait écho à la menace sur toute l'humanité d'un im
  • des formes éclatantes et éclatées: pourtant tout peut être repensé dans une structure cohérente et satisfaisante. Un jeu expérimental pleine hauteur, qui capture et accompagne l'auditeur dans des galaxies inexplorées

Texte et commentaire du poème J'ai souvent rencontré le mal de vivre d'Eugenio Montale, de la collection Ossi di seppia. Edité par Marco Nicastr J'ai déjà parlé des récits cachés dans une image, donc du passage de la figure à l'histoire. Aujourd'hui, cependant, j'ai envie de faire un autre voyage passionnant, celui concernant le potentiel visuel des textes écrits. . Les lettres, les graphèmes, en fait, en plus d'avoir un sens et un son liés aux conventions linguistiques, sont aussi des signes tracés sur la feuille (et c'est de. Un petit rééduqué et implanté tôt (Groupe A / A1 ), cependant, peu de temps après l'activation des électrodes, tout en découvrant le monde des sons et des mots, acquiert spontanément des termes simples, des expressions d'usage courant telles que: Attendez, rangez, donnez-moi, où est-ce?, c'est là , c'est dehors, donne-moi de l'eau etc.

Les sons onomatopéiques sont fondamentaux - Apprenez-moi à parler

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Indice

  • 1 Fonctionnalités
    • 1.1 Identité sociale
    • 1.2 Politique
  • 2 Musique classique
    • 2.1 Opéra
    • 2.2 Musique sacrée
    • 2.3 Musique instrumentale
    • 2.4 Ballet
    • 2.5 Musique expérimentale
    • 2.6 La musique classique dans la société
  • 3 Musique italienne traditionnelle
    • 3.1 Régions
    • 3.2 Chansons
    • 3.3 Outils
    • 3.4 Danse
  • 4 Musique populaire
    • 4.1 Premières chansons populaires
    • 4.2 Pop moderne
    • 4.3 Danse moderne
    • 4.4 Styles importés
  • 5 Industrie
  • 6 Clubs, festivals et vacances
  • 7 Éducation
  • 8 études
  • 9 notes
  • 10 Bibliographie
  • 11 Lectures supplémentaires
  • 12 enregistrements audio
  • 13 Autres projets
  • 14 Liens externes

La musique italienne a été tenue en haute estime tout au long de l'histoire et de nombreuses pièces de musique italienne sont considérées comme du grand art. Plus que d'autres éléments de la culture italienne, la musique est généralement éclectique, mais unique par rapport à la musique d'autres nations. Aucun mouvement protectionniste paroissial n'a jamais tenté de garder la musique italienne pure et libre de toute influence étrangère, sauf pendant une courte période sous le régime fasciste des années 1920 et 1930. [1] En conséquence, la musique italienne a conservé des éléments de nombreux peuples qui ont dominé ou influencé le pays, y compris le français, l'allemand et l'espagnol. Les contributions historiques à la musique du pays sont également un élément important de la fierté nationale. L'histoire relativement récente de l'Italie comprend le développement d'une tradition lyrique qui s'est répandue dans le monde avant le développement de l'identité italienne ou d'un État italien unifié, la péninsule italienne a contribué à d'importantes innovations dans la musique, y compris le développement de la notation musicale et du chant grégorien. .

Identité sociale Modifier

L'Italie a un fort sentiment d'identité nationale à travers une culture distinctive - un sentiment d'appréciation de la beauté et de l'émotivité, qui est fortement mis en évidence dans la musique. Les problèmes culturels, politiques et sociaux sont souvent également exprimés à travers la musique en Italie. La fidélité à la musique fait partie intégrante de l'identité sociale des Italiens, mais aucun style n'a été considéré comme un «style national» typique. La plupart de la musique folklorique est localisée et propre à une petite région ou ville. [2] [3] L'héritage classique de l'Italie, cependant, est un point important de l'identité du pays, en particulier l'opéra et les pièces d'opéra traditionnelles restent une partie populaire de la musique et une composante intégrale de l'identité nationale. La production musicale italienne reste caractérisée par "une grande diversité et une indépendance créative (avec) une riche variété de types d'expression". [3]

Avec l'accélération de l'industrialisation croissante au cours des 20e et 21e siècles, la société italienne est progressivement passée d'une base agricole à un centre urbain et industriel. Ce changement a affaibli la culture traditionnelle dans de nombreuses parties de la société, un processus similaire s'est produit dans d'autres pays européens, mais contrairement à eux, l'Italie n'a pas eu d'initiatives majeures pour préserver la musique traditionnelle. L'immigration en provenance d'Afrique du Nord, d'Asie et d'autres pays européens a conduit à une plus grande diversification de la musique italienne. La musique traditionnelle n'existait que dans de petites poches, notamment dans le cadre de campagnes dédiées à la préservation des identités musicales locales. [4]

Changement de politique

La musique et la politique sont étroitement liées en Italie depuis des siècles. Tout comme de nombreuses œuvres d'art de la Renaissance italienne ont été commandées par la royauté et l'Église catholique romaine, une grande partie de la musique a également été composée sur la base de telles commandes - musique de fond de cour, musique de couronnement, pour la naissance d'un héritier royal, marches royales et autres occasions. . Les compositeurs qui se sont éloignés couraient certains risques. Parmi les cas les plus connus, le compositeur napolitain Domenico Cimarosa a composé l'hymne républicain de courte durée pour la République napolitaine de 1799. Lorsque la république est tombée, il a été jugé pour trahison avec d'autres révolutionnaires. Cimarosa n'a pas été exécuté par la monarchie restaurée, mais a été exilé. [5]

La musique a également joué un rôle dans l'unification de la péninsule. Au cours de cette période, certains dirigeants politiques ont tenté d'utiliser la musique pour forger une identité culturelle unificatrice. Un exemple est le choeur "Va, Pensiero" de l'opéra de Giuseppe Verdi Nabucco. L'œuvre parle de l'ancienne Babylone, mais le chœur contient la phrase "Ô ma patrie", apparemment à propos de la lutte des Israélites, mais aussi une référence subtilement voilée au sort d'une Italie pas encore unie, tout le chœur est devenu l'hymne officieux de la Risorgimento, la volonté d'unifier l'Italie au XIXe siècle. Le nom de Verdi était également synonyme d'unité italienne parce que "légumes verts"pourrait être lu comme un acronyme pour Vittorio Emanuele, roi d'Italie, le monarque savoyard qui devint finalement Vittorio Emanuele II, le premier roi d'Italie unie. Donc "Vive Verdi"C'était un cri de ralliement pour les patriotes et apparaissait souvent dans les graffitis sur les murs de Milan et d'autres villes de ce qui faisait alors partie du territoire austro-hongrois. Verdi avait des problèmes de censure avant l'unification de l'Italie. Son opéra Un bal masqué il était à l'origine intitulé Gustavo III et a été présenté à l'oeuvre de San Carlo à Naples, la capitale du Royaume des Deux-Siciles, à la fin des années 1950. Les censeurs napolitains se sont opposés au complot réaliste de l'assassinat de Gustav III, roi de Suède, en 1790. Même après le changement du complot, les censeurs napolitains l'ont toujours rejeté. [6]

Plus tard, à l'époque fasciste des années 1920 et 1930, la censure gouvernementale et l'ingérence dans la musique se sont produites, mais pas de manière systématique. Les exemples notables incluent le manifeste anti-moderniste bien connu de 1932 [7] et l'interdiction de l'œuvre L'histoire du fils changé de Gian Francesco Malipiero de Mussolini, après une représentation en 1934. [8] Les médias musicaux critiquaient souvent la musique perçue comme politiquement radicale ou insuffisamment italienne. [3] Les organes de presse générale, tels que leEncyclopédie italienne moderne, avaient tendance à traiter les compositeurs traditionnellement favorisés tels que Giacomo Puccini et Pietro Mascagni avec la même brièveté que les compositeurs et musiciens qui n'étaient pas si favorisés: des modernistes comme Alfredo Casella et Ferruccio Busoni, c'est-à-dire que les entrées dans l'encyclopédie de l'époque n'étaient que de simples listes de jalons de la carrière comme les compositions et les positions dans l'enseignement. Même le chef d'orchestre Arturo Toscanini, un adversaire avoué du fascisme [9], a reçu le même traitement neutre et distant sans mentionner du tout sa position «anti-régime». [10] Peut-être que l'épisode de musique le plus connu qui se heurte à la politique implique Toscanini lui-même. Il avait été contraint de quitter la direction musicale de La Scala de Milan en 1929, car il refusait de commencer toute représentation avec la chanson fasciste "Giovinezza". Pour cette insulte au régime, il a été attaqué et battu dans la rue à l'extérieur de l'opéra de Bologne après une représentation en 1931. [11] Pendant l'ère fasciste, la pression politique a entravé le développement de la musique classique, bien que la censure n'était pas aussi systématique que dans les nazis. Allemagne. Une série de «lois raciales» a été votée en 1938, refusant ainsi aux compositeurs et musiciens juifs l'adhésion à des associations professionnelles et artistiques. [12] Bien qu'il n'y ait pas eu de fuite massive de juifs italiens d'Italie à ce moment-là (comparé à la situation en Allemagne), [13] le compositeur Mario Castelnuovo-Tedesco, un juif italien, était l'un de ceux qui ont émigré. Certains ennemis non juifs du régime ont également émigré: Toscanini, par exemple. [1] [14]

Plus récemment, dans la seconde moitié du XXe siècle, en particulier dans les années 1970 et au-delà, la musique a été davantage prise au piège de la politique italienne. [14] Une renaissance des racines a stimulé l'intérêt pour les traditions populaires, menées par les écrivains traditionnels, les collectionneurs et les artistes. [3] La droite politique en Italie a vu ce renouveau enraciné avec mépris, comme un produit des «classes défavorisées». [15] La scène revivalist est ainsi devenue associée à l'opposition et est devenue un véhicule pour «protester le capitalisme de marché libre». [3] De même, la scène musicale classique d'avant-garde a été associée et promue par le Parti communiste italien depuis les années 1970, un changement qui peut être retracé aux émeutes et manifestations étudiantes de 1968 [4].

L'Italie est depuis longtemps un centre de musique classique européenne et, au début du XXe siècle, la musique classique italienne a forgé un son national distinctif, résolument romantique et mélodique. Comme c'est typique des opéras de Giuseppe Verdi, c'était une musique dans laquelle ". Les lignes vocales dominent toujours le complexe tonal et ne sont jamais éclipsées par des accompagnements instrumentaux." [16] La musique classique italienne a résisté au "mastodonte harmonique allemand" [17] - c'est-à-dire les harmonies denses de Richard Wagner, Gustav Mahler et Richard Strauss. La musique italienne avait aussi peu de points communs avec la réaction française à cette musique allemande - l'impressionnisme de Claude Debussy, par exemple, dans lequel le développement mélodique est largement abandonné pour créer une ambiance et une atmosphère à travers les sons des accords individuels. [18]

La musique classique européenne a radicalement changé au XXe siècle.La nouvelle musique a abandonné une grande partie des écoles historiques d'harmonie et de mélodie développées au niveau national au profit de la musique expérimentale, de l'atonalité, du minimalisme et de la musique électronique, qui emploient des caractéristiques qui sont devenues communes à la musique européenne en général et pas à toutes. »L'Italie en particulier. [19] Ces changements ont également rendu la musique classique moins accessible à de nombreuses personnes. Les compositeurs importants de cette période sont Ottorino Respighi, Ferruccio Busoni, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Franco Alfano, Bruno Maderna, Luciano Berio, Luigi Nono, Sylvano Bussotti, Salvatore Sciarrino, Luigi Dallapiccola, Carlo Jachino, Gian Carlo Menotti, Jacopo Napoli et Goffredo Petrassi.

Opera Modifier

L'œuvre est née en Italie à la fin du XVIe siècle pendant la période de la Camerata florentine. Au cours des siècles qui ont suivi, les traditions de l'opéra se sont développées à Naples et à Venise, les œuvres de Claudio Monteverdi, Alessandro Scarlatti et, plus tard, Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini et Gaetano Donizetti ont prospéré. L'opéra est resté la forme musicale la plus étroitement liée à la musique italienne et à l'identité italienne. Cela était particulièrement évident au XIXe siècle à travers les œuvres de Giuseppe Verdi, une icône de la culture italienne et de l'unité pan-italienne. L'Italie a maintenu une tradition musicale d'opéra romantique au début du XXe siècle, illustrée par les compositeurs de la soi-disant Young School, dont la musique était ancrée au siècle précédent, notamment Arrigo Boito, Ruggero Leoncavallo, Pietro Mascagni et Francesco Cilea. Giacomo Puccini, qui était un compositeur vériste, a été décrit par Encyclopédie Britannica en ligne comme l'homme qui "a pratiquement mis fin à l'histoire de l'opéra italien". [20]

Après la Première Guerre mondiale, cependant, l'œuvre a décliné par rapport aux hauteurs populaires du XIXe et du début du XXe siècle. Les causes comprenaient le départ culturel général du romantisme et la montée du cinéma, qui est devenu une source majeure de divertissement. Une troisième cause est le fait que «l'internationalisme» avait amené l'opéra italien contemporain dans un état où il n'était plus «italien». [4] C'était l'opinion d'au moins un éminent musicologue et critique italien, Fausto Terrefranca qui, dans une brochure de 1912 intitulée Giacomo Puccini et l'opéra international, [21] a accusé Puccini de "profiter" et d'avoir abandonné les traditions italiennes. L'opéra romantique traditionnel était resté populaire en fait, l'éditeur d'opéra dominant au début du XXe siècle était Casa Ricordi, qui se concentrait presque exclusivement sur les opéras populaires jusqu'aux années 1930, lorsque la compagnie a autorisé des compositeurs plus inhabituels et moins attrayants. La montée en puissance d'éditeurs relativement nouveaux tels que Carisch et Suvini Zerboni a également contribué à alimenter la diversification du travail italien. [4] Le travail reste une partie importante de la culture italienne un intérêt renouvelé pour le travail dans les secteurs de la société italienne a commencé dans les années 1980. Parmi les compositeurs de cette époque, nous nous souvenons du célèbre Aldo Clementi et de ses jeunes collègues tels que Marco Tutino et Lorenzo Ferrero. [4]

Musique sacrée Modifier

L'Italie, étant l'une des nations phares du catholicisme, a une longue histoire de musique pour l'Église catholique romaine. Jusqu'en 1800 environ, il était possible d'écouter le chant grégorien et la polyphonie de la Renaissance, comme la musique de Palestrina, Lassus, Anerio et autres. Environ 1800 à environ 1900 était un siècle au cours duquel un type de musique sacrée plus populaire, lyrique et divertissant a été entendu, à l'exception du chant et de la polyphonie susmentionnés. À la fin du 19e siècle, le mouvement cécilien a été lancé par des musiciens qui se sont battus pour restaurer cette musique. Ce mouvement a pris de l'ampleur non pas en Italie mais en Allemagne, en particulier à Ratisbonne. Le mouvement a atteint son apogée vers 1900 avec l'ascension de Don Lorenzo Perosi et de son partisan (et futur saint), le pape Pie X. [22] L'avènement de Vatican II, cependant, a presque anéanti toute musique en latin de l'Église , en le remplaçant une fois de plus par un style plus populaire. [23]

Musique instrumentale Modifier

Le succès de l'opéra dans la musique italienne tend à occulter le domaine important de la musique instrumentale. [24] Historiquement, une telle musique comprend le large éventail de musique instrumentale sacrée, de concerts instrumentaux et de musique orchestrale dans les œuvres d'Andrea Gabrieli, Giovanni Gabrieli, Girolamo Frescobaldi, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Luigi Boccherini, Muzio Clementi , Luigi Cherubini, Giovanni Battista Viotti et Niccolò Paganini. Les compositeurs d'opéra ont parfois travaillé sous d'autres formes, par exemple le Quatuor en mi mineur de Giuseppe Verdi. Donizetti, dont le nom est identifié au début de l'opéra italien, a également écrit 18 quatuors à cordes. Au début du XXe siècle, après une période de crise qui a duré près d'un siècle, la musique instrumentale a commencé à prendre de l'importance, un processus qui a commencé vers 1904 avec la Deuxième Symphonie de Giuseppe Martucci, une œuvre que Gian Francesco Malipiero a appelée "le point de départ pour la renaissance de la musique italienne non opéra ". [25] Plusieurs premiers compositeurs de cette époque, tels que Leone Sinigaglia, ont utilisé des traditions folkloriques indigènes.

Le début du XXe siècle est également marqué par la présence d'un groupe de compositeurs appelé la génération des quatre-vingts (génération de 1880), dont Franco Alfano, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti et Ottorino Respighi. Ces compositeurs, suivant le chemin emprunté d'abord par le précité Martucci, se sont généralement concentrés sur l'écriture d'œuvres instrumentales plutôt que sur l'opéra. Les membres de cette génération ont été les figures dominantes de la musique italienne après la mort de Puccini en 1924, année avec laquelle elle tend à marquer la fin de l'histoire de l'opéra italien. [4] De nouvelles organisations ont vu le jour pour promouvoir la musique italienne, comme le Festival de musique contemporaine de Venise et le Maggio Musicale Fiorentino. La fondation du périodique par Guido Gatti Le piano et alors La revue musicale ils ont également contribué à promouvoir une vision plus large de la musique par rapport au climat politique et social autorisé. En ce qui concerne le XXe siècle, il est important de mentionner la figure de Mario Castelnuovo-Tedesco, pianiste et compositeur connu comme l'un des auteurs les plus importants pour la guitare classique du XXe siècle. La plupart des Italiens, cependant, préféraient des morceaux normaux plus traditionnels et établis et seule une petite partie du public recherchait de nouveaux styles de musique classique expérimentale. [4]

Ballet Modifier

Les contributions italiennes au ballet sont moins connues et appréciées que dans les autres secteurs de la musique classique. L'Italie, en particulier Milan, était un centre de ballet de cour dès le 15ème siècle, influencé par les divertissements communs dans les célébrations royales et les mariages aristocratiques. Parmi les premiers chorégraphes et compositeurs du ballet figurent Fabritio Caroso et Cesare Negri. Le style de ballet connu sous le nom de «spectacles». Style italien"exporté d'Italie en France et le premier ballet joué en France (1581), Ballet Comique de la Reine, a été chorégraphié par un Italien, Baltazarini di Belgioioso, [26] mieux connu de la version française de son nom, Balthasar de Beaujoyeulx. Le premier ballet était accompagné d'une instrumentation considérable, avec le jeu de cors, trombones, tambours, dulcimers, cornemuses, etc. Bien que la musique n'ait pas survécu, on suppose que les danseurs eux-mêmes ont peut-être joué des instruments sur scène. [27] Puis, à la suite de la Révolution française, l'Italie est redevenue un centre de danse, en grande partie grâce aux efforts de Salvatore Viganò, un chorégraphe qui a collaboré avec certains des compositeurs les plus importants de l'époque. Il est devenu un professeur de danse à La Scala en 1812. [26] L'exemple le plus connu du ballet italien du 19ème siècle est probablement leExcelsior, avec musique de Romualdo Marenco et chorégraphie de Luigi Manzotti. Il a été composé en 1881 et est un grand hommage au progrès scientifique et industriel du 19ème siècle. Il est toujours joué et a été mis en scène en 2002.

Actuellement, les principaux opéras italiens maintiennent des compagnies de ballet. Ils existent pour fournir des danses de scène et de cérémonie dans de nombreux opéras, tels que Aida ou alors La Traviata. Ces compagnies de danse maintiennent généralement une saison de ballet distincte et exécutent le répertoire standard du ballet classique, dont peu est italien. L'équivalent italien du Ballet russe du Bolchoï et des compagnies similaires qui n'existent que pour se produire en ballet, indépendamment d'un opéra, est le Corps de Ballet du Teatro alla Scala. En 1979, une compagnie de danse moderne, Aterballetto, a été fondée à Reggio Emilia par Vittorio Biagi.

Musique expérimentale Modifier

La musique expérimentale est un domaine large et vaguement défini qui comprend la musique créée en abandonnant les concepts classiques traditionnels de mélodie et d'harmonie et en utilisant la nouvelle technologie de l'électronique pour créer des sons jusqu'alors impossibles. En Italie, l'un des premiers à consacrer son attention à la musique expérimentale fut Ferruccio Busoni, dont la publication de 1907, Esquisse d'une nouvelle esthétique de la musique, a discuté de l'utilisation de nouveaux sons électriques et autres dans la musique du futur. Il a évoqué son mécontentement face aux contraintes de la musique traditionnelle:

«Nous avons divisé l'octave en douze degrés équidistants. et nous avons construit nos outils de telle manière que nous ne pouvons jamais monter ou descendre ou entre eux. nos oreilles ne peuvent plus entendre autre chose. pourtant la nature en a créé un gradation infinie et infinie! Qui sait encore aujourd'hui? [28] "

De même, Luigi Russolo, le peintre et compositeur futuriste italien, a écrit sur les possibilités de la nouvelle musique dans ses affiches de 1913. L'art des bruits est Musique futuriste. Il a également inventé et construit des outils tels que le intonation du bruit, principalement des percussions, qui ont été utilisées dans un précurseur du style connu sous le nom de musique concrète. L'un des événements les plus influents de la musique du début du XXe siècle a été le retour d'Alfredo Casella de France en 1915. Casella a fondé la Société italienne de musique moderne, qui a promu plusieurs compositeurs aux styles disparates, allant de l'expérimental au traditionnel. Après un différend sur la valeur de la musique expérimentale en 1923, Casella a formé la New Music Corporation pour promouvoir la musique expérimentale moderne. [4]

Dans les années 1950, Luciano Berio a expérimenté des instruments accompagnés de sons électroniques sur bande. Dans l'Italie moderne, une organisation importante qui promeut la recherche en musique d'avant-garde et électronique est la CEMAT, la Fédération des centres de musique électroacoustique italiens. Elle a été fondée en 1996 à Rome et est membre du CIME, le Confédération Internationale de Musique Electroacoustique. La CEMAT promeut les activités du projet "Sonora", lancé conjointement par le Département des arts du spectacle, le Ministère des affaires culturelles et la Direction des relations culturelles du Ministère des affaires étrangères dans le but de promouvoir et de diffuser la musique contemporaine. L'italien à l'étranger .

Musique classique dans la société Modifier

La musique classique italienne s'est progressivement développée de manière plus expérimentale et progressive vers le milieu du XXe siècle, tandis que les goûts populaires avaient tendance à s'en tenir aux compositeurs établis et aux compositions du passé. [4] Le programme 2004-2005 du Théâtre San Carlo de Naples est typique de l'Italie moderne: des huit opéras représentés, le plus récent était de Puccini. En musique symphonique, sur les 26 compositeurs dont la musique a été jouée, 21 d'entre eux étaient du XIXe siècle ou avant, des compositeurs utilisant les mélodies et harmonies typiques de l'époque romantique. Cette focalisation est commune à d'autres traditions européennes et est connue sous le nom de postmodernisme, une école de pensée basée sur des concepts harmoniques et mélodiques antérieurs qui précèdent les conceptions de l'atonalité et de la dissonance. [29] Cette attention aux compositeurs historiques populaires a contribué à maintenir une présence constante de la musique classique dans une grande partie de la société italienne. Lorsque la musique fait partie d'une exposition ou d'un rassemblement public, elle est souvent choisie dans un répertoire très éclectique qui comprend probablement de la musique classique bien connue et de la musique populaire.

Certaines œuvres récentes font désormais partie du répertoire moderne, notamment des partitions et des pièces de compositeurs tels que Luciano Berio, Luigi Nono, Franco Donatoni et Sylvano Bussotti. Ces compositeurs ne font pas partie d'une école ou d'une tradition distincte, bien qu'ils partagent certaines techniques et influences. Dans les années 1970, la musique classique d'avant-garde était devenue liée au Parti communiste italien, tandis qu'un regain d'intérêt populaire se poursuivait dans la décennie suivante, avec des fondations, des festivals et des organisations créés pour promouvoir la musique moderne. Vers la fin du XXe siècle, le parrainage gouvernemental des institutions musicales a commencé à décliner et de nombreux chœurs de la RAI et orchestres de la ville ont été fermés. Malgré cela, un certain nombre de compositeurs ont acquis une renommée internationale au début du 21e siècle. [4]

La musique traditionnelle italienne a une histoire profonde et complexe. [30] Puisque l'unification nationale est arrivée tardivement dans la péninsule italienne, la musique traditionnelle de ses centaines de cultures ne montre aucun caractère national homogène. Au contraire, chaque région et communauté possède une tradition musicale unique qui reflète l'histoire, la langue et la composition ethnique de ce lieu particulier. [31] Ces traditions reflètent la situation géographique de l'Italie dans le sud de l'Europe et les influences celtiques, romaines et slaves de la Méditerranée centrale, telles que la géographie brute et la domination historique des petites villes, se sont toutes combinées pour permettre à différents styles de musique de coexister à proximité.

Les styles folkloriques italiens sont très divers et comprennent des chansons monophoniques, polyphoniques et responsoriales, de la musique chorale, instrumentale et vocale, et d'autres styles. Le chant choral et les formes polyphoniques de chansons se trouvent principalement dans le nord de l'Italie, tandis que le chant solo est plus courant au sud de Naples et les groupes utilisent généralement le chant à l'unisson en deux ou trois parties portées par un seul interprète. Le chant des ballades du Nord est syllabique, avec un rythme rigoureux et des paroles compréhensibles, tandis que les styles du Sud utilisent un tempo de volé et un style vocal émouvant et agité. [32] Les musiciens folkloriques utilisent le dialecte de leur tradition régionale ce rejet de la langue italienne standard dans la chanson populaire est presque universel. Il y a peu de perception d'une tradition folklorique italienne et la musique populaire du pays n'est jamais devenue un symbole national. [32]

Régions Modifier

La musique folklorique est parfois divisée en différentes sphères d'influence géographique, un système de classification de trois régions, méridionale, centrale et septentrionale, proposé par Alan Lomax en 1956 [34] et souvent répété. En outre, Curt Sachs [35] a proposé l'existence de deux types assez distincts de musique populaire en Europe: continentale et méditerranéenne et d'autres [36] ont placé la zone de transition de la première à la seconde à peu près dans le centre-nord de l'Italie, approximativement entre Pesaro et La Spezia. Les parties centrale, nord et sud de la péninsule partagent certaines caractéristiques musicales et sont distinctes de la musique de la Sardaigne. [32]

Dans les vallées piémontaises et dans certaines communautés liguriennes du nord-ouest de l'Italie, la musique conserve la forte influence de l'Occitanie ancienne. Les textes des troubadours occitans sont parmi les plus anciens exemples conservés de chansons dans les groupes vernaculaires et modernes tels que Gai Saber [37] et Lou Dalfin préservent et rendent la musique occitane contemporaine. La culture occitane conserve les caractéristiques de l'ancienne influence celtique, grâce à l'utilisation de flûtes à six ou sept trous (Fiffaro) ou cornemuse (numéro de TVA). La musique du Frioul-Vénétie Julienne, dans le nord-est de l'Italie, partage beaucoup plus avec l'Autriche et la Slovénie, y compris des variantes de la valse et de la polka. Une grande partie de l'Italie du Nord partage avec les régions d'Europe plus au nord un intérêt pour le chant des ballades (appelées chanson lyrique épique) et le chant choral. Les ballades, généralement considérées comme un véhicule pour une voix solo, peuvent également être chantées dans les chœurs. Dans la province de Trente, les "chœurs populaires" sont la forme la plus courante de production musicale. [38]

Les différences musicales notables dans le type sud comprennent une plus grande utilisation du chant à intervalles partiels et une plus grande variété d'instruments folkloriques. Les influences celtiques et slaves du groupe et les œuvres chorales à voix ouverte du nord cèdent la place à une forte monodie arabe, grecque et nord-africaine aux influences méridionales. Dans certaines régions des Pouilles (Salento, Grèce, par exemple), le dialecte Griko est couramment utilisé dans la chanson. La ville des Pouilles de Tarente est le berceau de la tarentelle, une danse rythmique largement exécutée dans le sud de l'Italie. La musique des Pouilles en général, et la musique du Salento en particulier, a été bien étudiée et documentée par les ethnomusicologues et par Aramirè.

La musique de la Sardaigne est surtout connue pour le chant polyphonique de la ténores. Le son de ténores rappelle les racines du chant grégorien, et est similaire mais distinctif du trallalero ligurien. Les outils typiques incluent launeddas, une pipe triple sarde utilisée de manière sophistiquée et complexe. Efisio Melis était un joueur bien connu de launeddas des années 1930. [39]

Chansons Modifier

Les chansons folkloriques italiennes comprennent des ballades, des chansons lyriques, des berceuses et des chansons pour enfants, des chansons saisonnières basées sur des vacances telles que Noël, des chansons factuelles célébrant des mariages, des baptêmes et d'autres événements importants, des chansons de danse, des appels de bétail et des chansons professionnelles, liées aux professions. comme les pêcheurs, les bergers et les soldats. Les ballades (chansons épiques-lyriques) et des chants lyriques (chansons lyriques monostrophiques) sont deux catégories importantes. Les ballades sont plus courantes dans le nord de l'Italie, tandis que les chants lyriques prévalent plus au sud. Les ballades sont étroitement liées à la forme anglaise, avec quelques ballades anglaises existant en correspondance exacte avec une chanson italienne. D'autres ballades italiennes sont plus strictement basées sur des modèles français. Les chansons d'opéra sont une catégorie différente composée de berceuses, de sérénades et de chansons de travail, et sont souvent improvisées bien que basées sur un répertoire traditionnel. [32]

D'autres traditions de la chanson folklorique italienne sont moins courantes que les ballades et les chansons lyriques. Strophique, louange religieux, parfois en latin, sont encore occasionnellement joués, et des chants épiques sont également connus, en particulier ceux de la célébration de mai. Des chanteuses professionnelles se produisent berceuses dans un style similaire à ceux d'autres parties de l'Europe. Le jodelling existe dans le nord de l'Italie, bien qu'il soit plus communément associé à la musique populaire d'autres nations alpines. Le carnaval italien est associé à différents types de chansons, en particulier le carnaval de Bagolino, Brescia. Les chœurs et les cuivres font partie du festival de la mi-carême, tandis que la tradition du chant de supplication s'étend à de nombreux festivals tout au long de l'année. [32]

Modifier les outils

L'instrumentation fait partie intégrante de tous les aspects de la musique populaire italienne. Il existe plusieurs instruments qui conservent les formes les plus anciennes bien que les modèles les plus récents se soient répandus ailleurs en Europe. De nombreux instruments italiens sont liés à certains rituels ou occasions, comme le cornemuse ou alors cornemuse, qui n'est généralement entendu qu'à Noël. [40] Les instruments folkloriques italiens peuvent être divisés en catégories de cordes, de vents et de percussions. [41] Les outils courants comprennent accordéon diatonique, un accordéon plus étroitement associé au saltarello a accordéon diatonique c'est le plus répandu dans le centre de l'Italie, tandis que les accordéons chromatiques prédominent dans le nord. De nombreuses municipalités accueillent des fanfares, qui se produisent avec des groupes de renouveau racinaire. Ces groupes sont basés sur la clarinette, l'accordéon, le violon et les petits tambours, décorés de cloches. [32]

Les instruments à vent italiens comprennent notamment une variété de flûtes folkloriques. Parmi eux se trouvent des tuyaux, des flûtes globulaires et transversales, ainsi que diverses variantes de la flûte de pan. Les flûtes doubles sont plus courantes en Campanie, en Calabre et en Sicile. [42] Une cruche en céramique appelée quartara il est également utilisé comme instrument à vent, soufflant à travers une ouverture dans le col étroit de la bouteille trouvée dans l'est de la Sicile et en Campanie. Les cornemuses simples (shawm) et double (fifre) sont généralement joués en groupes de deux ou trois. [32] De nombreuses cornemuses populaires sont connues, y compris la cornemuse du centre de l'Italie Les noms de dialectes pour zampogna varient dans toute l'Italie: baghèt à Bergame, numéro de TVA en Lombardie, muse à Alexandrie, à Gênes, à Pavie et à Plaisance, etc.

De nombreux instruments à percussion font partie de la musique populaire italienne, notamment des blocs de bois, des cloches, des castagnettes, des tambours. Différentes régions ont leur propre forme distincte de hochets, y compris la grenouille arboricole et le conocchie calabresi, une canne de berger avec des hochets permanents et avec le sens rituel de la fertilité. Le hochet napolitain est le triccaballacca, composé de plusieurs baguettes dans un cadre en bois. LES batteurs et le tambourin), tels que divers types de tambours, tels que putipù, tambour à friction. Le tambourin, tout en sonnant très similaire au tambourin occidental contemporain, est en fait joué avec une technique beaucoup plus complexe et sophistiquée (influencée par le jeu du Moyen-Orient), ce qui lui donne une large gamme de sons. le harpe c'est un instrument particulier, que l'on ne trouve que dans le nord de l'Italie et en Sicile. [32]

Les instruments à cordes varient considérablement selon le lieu, sans aucun représentant d'importance nationale. Viggiano abrite une tradition de harpe, qui a une base historique dans les Abruzzes, le Latium et la Calabre.

La Calabre compte à elle seule 30 instruments de musique traditionnels, dont certains ont des caractéristiques fortement archaïques et sont en grande partie éteints ailleurs en Italie. C'est la maison de la guitare à quatre ou cinq cordes appelée battre la guitare et un violon à trois cordes appelé lire, [43] qui se retrouve également sous des formes similaires dans la musique de la Crète et du sud-est de l'Europe. Un violon à une corde, appelé thorototèle, est courante dans le nord-est du pays. La région largement germanophone du Trentin-Haut-Adige est connue pour cithare et le vielle on le trouve en Émilie, dans le Piémont et en Lombardie. [32] Les traditions existantes, enracinées et répandues confirment la production d'outils éphémères et jouets en écorce, roseau, feuilles, fibres et tiges, comme cela ressort, par exemple, des recherches de Fabio Lombardi.

Danse Modifier

La danse fait partie intégrante des traditions populaires en Italie. Certaines danses sont anciennes et, dans une certaine mesure, existent encore aujourd'hui. Il y a des danses rituelles magiques de propitiation et des danses de récolte, y compris les danses de la «récolte de la mer» des communautés de pêcheurs de Calabre et les danses des vendanges en Toscane. Parmi les danses célèbres, nous trouvons la tarentelle du sud peut-être la plus emblématique des danses italiennes, la tarentelle est en 6/8 et fait partie d'un rituel populaire destiné à guérir le poison causé par les morsures de la tarentule. Les célèbres danses toscanes récitent rituellement la chasse au lièvre, ou montrent des lames dans des danses avec des armes qui simulent ou rappellent les mouvements de combat, ou utilisent des armes comme instruments stylisés de la danse elle-même. Par exemple, dans certains villages du nord de l'Italie, les épées sont remplacées par des demi-cercles de bois brodés de vert, semblables aux soi-disant «danses des guirlandes» en Europe du Nord. [44] Il y a aussi des danses d'amour et de parade nuptiale, comme la danse duru-duru en Sardaigne. [45]

Beaucoup de ces danses sont des activités de groupe, le groupe est organisé en rangées ou en cercles certains - les danses d'amour et de parade nuptiale - impliquent des couples, à la fois des couples simples et multiples. Là tammuriata (jouée au son du tambourin) est une danse de couple exécutée dans le sud de l'Italie et accompagnée d'une chanson lyrique appelée moquerie. D'autres danses pour couples sont collectivement appelées saltarello. Cependant, il existe aussi des danses en solo, les plus typiques d'entre elles sont les "danses du drapeau" de diverses régions d'Italie, dans lesquelles le danseur passe un drapeau ou un drapeau du pays autour du cou, entre les jambes, derrière le dos. , souvent en le jetant haut en l'air et en l'attrapant. Ces danses peuvent également être exécutées en groupes de danseurs solistes agissant à l'unisson ou coordonnant le drapeau passant entre les danseurs. Le nord de l'Italie abrite également le Monferrina, une danse accompagnée qui a été incorporée dans la musique d'art occidentale par le compositeur Muzio Clementi. [32]

L'intérêt académique pour l'étude de la danse du point de vue de la sociologie et de l'anthropologie a traditionnellement été négligé en Italie, mais montre actuellement une vie renouvelée aux niveaux du premier et du troisième cycle. [46]

La première musique populaire italienne fut l'opéra du XIXe siècle. L'opéra a eu un effet durable sur la musique classique et populaire italienne. Les mélodies d'opéra se répandent dans les fanfares et les groupes en tournée. Là Chanson napolitaine est une tradition distincte qui est devenue une partie de la musique populaire au 19ème siècle et était une image emblématique de la musique italienne à l'étranger à la fin du 20ème siècle. [32] Les styles importés sont également devenus une partie importante de la musique populaire italienne, à commencer par Café chantant Français dans les années 90 puis par l'arrivée du jazz américain dans les années 10. Jusqu'à ce que le fascisme italien devienne officiellement «allergique» aux influences étrangères à la fin des années 1930, la musique et les musiciens américains étaient très populaires.Le grand jazzman Louis Armstrong fit une tournée en Italie jusqu'en 1935 avec un grand succès. [47] Dans les années 1950, les styles américains sont devenus plus importants, en particulier le rock. La tradition de auteurs-compositeurs il a connu un grand développement à la fin des années 1960, tandis que la scène rock italienne s'est rapidement diversifiée dans les styles progressif, punk, funk et folk. [32]

Premières chansons populaires Modifier

L'opéra italien est devenu extrêmement populaire au 19ème siècle et était connu même dans les zones les plus rurales du pays. La plupart des villages ont eu des productions d'opéra occasionnelles et les techniques utilisées dans l'opéra ont influencé la musique folklorique du village. Le travail s'est répandu à travers des compagnies itinérantes et des fanfares, concentrés dans un village local. Ces gangs civiques (bande municipale) utilisaient des instruments pour interpréter des airs d'opéra, avec des trombones ou des filicornes pour les parties vocales masculines et des cornets pour les parties féminines. [32]

La musique régionale au 19ème siècle est également devenue populaire dans toute l'Italie. Parmi ces traditions locales, notons le Chanson napolitaine. Bien qu'il existe des chansons anonymes et documentées de Naples d'il y a plusieurs siècles, [48] le terme Chanson napolitaine fait désormais généralement référence à une grande quantité de musique populaire relativement récente, composée de 'O mon soleil, Revenez à Sorrento est Funiculi Funicula. Au XVIIIe siècle, de nombreux compositeurs, dont Alessandro Scarlatti, Leonardo Vinci et Giovanni Paisiello, ont contribué à la tradition napolitaine en utilisant la langue locale pour les textes de certaines de leurs œuvres de bande dessinée. Plus tard, d'autres, le plus célèbre était Gaetano Donizetti, composé de chansons napolitaines qui ont acquis une grande renommée en Italie et à l'étranger. [32] La tradition de la chanson napolitaine a été officialisée dans les années 1930 avec un concours de chanson annuel pour le Festival Piedigrotta annuel, [49] dédié à la Madonna di Piedigrotta, une église bien connue dans la région de Mergellina de Naples. La musique est identifiée à Naples, mais est célèbre à l'étranger, ayant été exportée sur les grandes vagues d'émigration de Naples et du sud de l'Italie entre 1880 et 1920. La langue est un élément extrêmement important de la chanson napolitaine, qui est toujours écrite et représentée en napolitain . Les chansons napolitaines utilisent généralement des harmonies simples et sont structurées en deux sections, un refrain et des vers narratifs, souvent en tonalités majeures ou mineures, en contraste ou en parallèle. [32] En termes non musicaux, cela signifie que de nombreuses chansons napolitaines peuvent sembler joyeuses une minute et mélancoliques la suivante.

La musique de Francesco Tosti était populaire au début du 20e siècle et on se souvient de ses chansons légères et expressives. Son style est devenu très populaire au cours de la Belle Epoque et est souvent connue sous le nom de musique de salon. Ses œuvres les plus célèbres sont Sérénade, Adieu et la chanson populaire napolitaine Mer claire, dont les textes sont du célèbre poète dialectal napolitain Salvatore di Giacomo.

La musique populaire enregistrée a commencé à la fin du 19ème siècle, avec des styles internationaux influençant la musique italienne à la fin des années 1910, cependant, la montée de l'autarcie, la politique fasciste d'isolationnisme culturel en 1922 a conduit à un retrait de la musique populaire internationale. Pendant ce temps, de célèbres musiciens italiens ont voyagé à l'étranger et ont appris des éléments de jazz, de musique latino-américaine et d'autres styles. Ces musiques ont influencé la tradition italienne, qui s'est répandue dans le monde entier et s'est encore diversifiée après la libéralisation après la Seconde Guerre mondiale. [32]

Sous la politique isolationniste du régime fasciste, arrivé au pouvoir en 1922, l'Italie a développé une culture musicale insulaire. La musique étrangère a été supprimée alors que le gouvernement de Mussolini encourageait le nationalisme et la pureté linguistique et ethnique. Les artistes populaires, cependant, ont voyagé à l'étranger et ont ramené de nouveaux styles et techniques. [32] Le jazz américain a eu une influence importante sur des chanteurs tels qu'Alberto Rabagliati, qui est devenu connu pour un style oscillant. Des éléments d'harmonie et de mélodie du jazz et du blues ont été utilisés dans de nombreuses chansons populaires, tandis que les rythmes provenaient souvent de danses latines telles que le tango, la rumba et la béguine. Les compositeurs italiens ont incorporé des éléments de ces styles, tandis que la musique italienne, en particulier la chanson napolitaine, est devenue une partie de la musique populaire dans toute l'Amérique latine. [32]

Édition pop moderne

Parmi les musiciens pop italiens les plus célèbres des dernières décennies, il y a Domenico Modugno, Mina, Patty Pravo, Mia Martini, Adriano Celentano et, plus récemment, Zucchero Fornaciari, Mango, Claudio Baglioni, Vasco Rossi, Irene Grandi, Gianna Nannini et des superstars internationales. Eros Ramazzotti, Laura Pausini et Andrea Bocelli. Les musiciens qui composent et chantent leurs chansons sont appelés auteurs-compositeurs. Leurs compositions se concentrent généralement sur des thèmes d'intérêt social et sont souvent des chansons de protestation: cette vague a commencé dans les années 1960 avec des musiciens tels que Fabrizio De André, Paolo Conte, Giorgio Gaber, Umberto Bindi, Gino Paoli et Luigi Tenco. Les thèmes sociaux, politiques, psychologiques et intellectuels, principalement dans le sillage des travaux de Gaber et De André, sont devenus encore plus prédominants dans les années 1970 grâce à des auteurs tels que Lucio Dalla, Pino Daniele, Francesco De Gregori, Ivano Fossati, Francesco Guccini, Edoardo Bennato, Rino Gaetano et Roberto Vecchioni. Lucio Battisti, de la fin des années 1960 au milieu des années 1990, a fusionné la musique italienne avec le rock et la pop britannique et, dernièrement dans sa carrière, avec des genres tels que la synthpop, le rap, la techno et l'eurodance, tandis qu'Angelo Branduardi et Franco Battiato se sont lancés dans un carrière plus orientée vers la tradition de la musique pop italienne. [50] Il existe une sorte de croisement entre les auteurs-compositeurs et ceux qui sont considérés comme des chanteurs de «musique de protestation». [51]

Les bandes sonores, bien que secondaires au film, sont souvent acclamées par la critique et très populaires dans leur genre. Parmi les premières musiques de films italiens des années 1930 figurait le travail de Riccardo Zandonai avec les bandes sonores des films Princesse Tarakanova (1937) et Caravaggio, le peintre maudit (1941). Parmi les exemples d'après-guerre sont Goffredo Petrassi avec Il n'y a pas de paix parmi les oliviers (1950) et Roman Vlad avec Roméo et Juliette (1954). Un autre compositeur de musique de film bien connu était Nino Rota, dont la carrière d'après-guerre comprenait des bandes sonores pour les films de Federico Fellini et, plus tard, La série Le parrain. D'autres compositeurs importants de bandes sonores sont Ennio Morricone, Riz Ortolani et Piero Umiliani. [52]

Danse moderne Modifier

L'Italie est un pays important pour la musique de danse électronique, surtout depuis la création de l'italo disco à la fin des années 70 et au début des années 80. Le genre d'origine disco mélangeait des «mélodies mélodiques» avec de la musique pop et électronique, [53] faisant usage de synthétiseurs et de boîtes à rythmes, qui donnaient souvent un son futuriste. Selon un article du Guardian, dans des villes comme Vérone et Milan, les producteurs travailleraient avec des chanteurs, en utilisant des synthétiseurs de masse et des boîtes à rythmes et en les incorporant dans un mélange de musique expérimentale avec une "sensibilité pop classique" [53] qui devrait être destiné aux boîtes de nuit. [53] Les chansons produites seraient plus tard vendues par des étiquettes et des compagnies telles que Discomagic de Milan. [53] La disco italo a influencé plusieurs groupes électroniques, tels que les Pet Shop Boys, Erasure et New Order, [53] ainsi que des genres tels que Eurodance, Eurobeat et freestyle. En 1988, cependant, le genre avait fusionné avec d'autres formes de danse européenne et de musique électronique, dont l'italo house. Italo house mélange des éléments de l'italo disco avec de la musique house traditionnelle.Son son était généralement exaltant et faisait un usage intensif des mélodies de piano. Dans la seconde moitié des années 1990, un sous-genre de l'Eurodance connu sous le nom de danse Italo a émergé. S'inspirant de l'italo disco et de l'italo house, l'italo dance comprenait généralement des riffs de synthétiseur, un son mélodique et l'utilisation de vocodeurs. Au fil des ans, il y a eu plusieurs compositeurs et producteurs italiens de danse de premier plan, comme Giorgio Moroder, qui a remporté trois Oscars pour sa musique. Il est crédité par AllMusic comme "l'un des principaux architectes du son disco". [54]

Styles importés Modifier

Pendant le Belle Epoque, la mode française pour interpréter de la musique populaire au café-chantant il s'est répandu dans toute l'Europe. [55] La tradition avait beaucoup en commun avec le cabaret, et il y a chevauchement entre café-chantant, café-concert, cabaret, music-hall, vaudeville et autres styles similaires, mais au moins dans sa manifestation italienne, la tradition est restée largement apolitique, se concentrant sur la musique pop, souvent osée, mais pas obscène. Le premier café-chantant en Italie, c'était le Salone Margherita, inauguré en 1890 dans les locaux de la nouvelle Galleria Umberto à Naples.[56] Ailleurs en Italie, le Gran Salone Eden de Milan et le Music Hall Olympia de Rome ont été ouverts peu de temps après. le café-chantant était également connu sous la forme italianisée de café-concert. Le chanteur principal, généralement une femme, s'appelait un chanteuse en français le terme italien, sciantosa, a été inventé directement des Français. Les chansons elles-mêmes n'étaient pas françaises, mais c'étaient des chansons gaies ou légèrement sentimentales composées en italien. Cette musique s'est démodée avec l'avènement de la Première Guerre mondiale.

L'influence des formes pop américaines était forte depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale. Le nombre somptueux de spectacles de Broadway, de grands groupes, de rock and roll et de hip hop continue d'être populaire. La musique latine, en particulier la bossa nova brésilienne, est également populaire, et le genre portoricain de reggaeton est en train de devenir rapidement une forme de musique de danse traditionnelle. Il n'est pas rare que des artistes pop italiens modernes tels que Laura Pausini, Eros Ramazzotti, Zucchero Fornaciari ou Andrea Bocelli sortent de nouvelles chansons en anglais ou en espagnol en plus ou à la place de chansons en italien. Ainsi, les critiques musicales, qui sont les programmes les plus courants de la télévision italienne actuelle, peuvent facilement passer, en une seule soirée, d'un certain nombre de big bands avec des danseurs à un imitateur d'Elvis en passant par une chanteuse pop interprétant un air de Puccini.

Le jazz a fait son chemin vers l'Europe pendant la Première Guerre mondiale grâce à la présence de musiciens américains dans des orchestres militaires jouant de la musique syncopée. [57] Pourtant, même plus tôt, l'Italie a reçu un soupçon de nouvelle musique outre-Atlantique sous la forme de chanteurs et de danseurs créoles qui se produisit au Théâtre Eden de Milan en 1904 se présentèrent comme les "créateurs de la promenade". Les premiers véritables orchestres de jazz en Italie, cependant, ont été formés dans les années 1920 par des chefs d'orchestre tels qu'Arturo Agazzi et ont connu un succès immédiat. [47] Malgré les politiques culturelles anti-américaines du régime fasciste dans les années 1930, le jazz américain est resté populaire.

Dans les années qui ont immédiatement suivi la guerre, le jazz a pris son envol en Italie. Tous les styles de jazz américains d'après-guerre, du bebop au free jazz et à la fusion, ont leurs équivalents en Italie. L'universalité de la culture italienne signifiait que les clubs de jazz se répandaient dans toute la péninsule, que tous les studios de radio et de télévision avaient des groupes house basés sur le jazz, que les musiciens italiens ont commencé à cultiver une sorte de jazz domestique, basé sur des formes de chansons européennes, des techniques de composition musique populaire. Actuellement, tous les conservatoires de musique italiens ont des départements de jazz, et il y a des festivals de jazz chaque année en Italie, dont le plus connu est le Festival de jazz de l'Ombrie, et il existe des publications notables telles que le magazine jazz.

Le pop rock italien a produit de grandes stars telles que Zucchero Fornaciari et a conduit à de nombreux succès. Les médias de l’industrie, en particulier la télévision, sont des vecteurs importants de ces émissions de musique et de télévision samedi soir c'est caractéristique. [58] L'Italie était à l'avant-garde du mouvement de rock progressif des années 1970, un style qui s'est développé principalement en Europe mais qui a également gagné des audiences dans d'autres parties du monde. Le rock progressif en Italie est parfois considéré comme un genre à part. Des groupes italiens tels que The Trip, Area, Premiata Forneria Marconi (PFM), Arti e Mestieri, Banco del Mutuo Soccorso, New Trolls, Goblin, Osanna, Saint Just et Le Orme ont incorporé un mélange de rock symphonique et de musique folklorique italienne et étaient populaires. dans toute l'Europe et aux États-Unis. D'autres groupes progressifs tels que Perigeo, Bronze Ballet, Rosenbach Museum, Reverse of the Medal, Ticket to Hell ou Alphataurus sont restés peu connus, mais leurs albums sont désormais considérés comme des classiques par les collectionneurs. Certains groupes ou artistes avant-gardistes (Area, Picchio dal Pozzo, Opus Avantra, Stormy Six, Saint Just, Giovanni Lindo Ferretti) ont acquis une notoriété pour leur son innovant. Les concerts de rock progressif en Italie avaient tendance à avoir une forte veine politique et une ambiance énergique.

La scène hip hop italienne a commencé au début des années 90 avec l'Articolo 31 de Milan, dont le style était principalement influencé par le rap de la côte Est. Les autres premiers groupes de hip-hop étaient généralement politiquement orientés, comme 99 Posse, qui devint plus tard plus influencé par le trip hop britannique. Des groupes plus récents incluent des raps de gangsta tels que La Fossa en Sardaigne. D'autres styles récemment importés incluent la techno, la trance et l'électronica interprétés par des artistes tels que Gabry Ponte, Eiffel 65 et Gigi D'Agostino. [59] Le hip hop est particulièrement caractéristique du sud de l'Italie, un fait qui a contribué à considérer par certains observateurs la culture du sud comme plus "africaine" que "européenne", ainsi que le concept méridional de le respect est honneur, une forme verbale de joute médiévale, ces deux faits ont aidé à identifier la musique du sud de l'Italie avec le style hip-hop afro-américain. [60] Il existe également de nombreux groupes en Italie qui jouent un style appelé Patchanka, qui se caractérise par un mélange de musique traditionnelle, de punk, de reggae, de rock et de paroles politiques. Modena City Ramblers est l'un des groupes les plus célèbres connus pour leur mélange d'irlandais, d'italien, de punk, de reggae et de nombreuses autres formes de musique. [59]

L'Italie est également devenue le foyer de nombreux projets de fusion méditerranéenne. Il s'agit notamment d'Al Darawish, un groupe multiculturel basé en Sicile et dirigé par le Palestinien Nabil Ben Salaméh. Le Luigi Cinque Tarantula Hypertext Orchestra est un autre exemple, tout comme l'album TaraGnawa par Phaleg et Nour Eddine. Mango est l'un des artistes les plus connus qui a fusionné la pop avec les sons du monde et méditerranéens, des albums comme À présent, Sirtaki est Comme l'eau sont des exemples de son style. Le populaire chanteur napolitain Massimo Ranieri a également sorti un CD, Aujourd'hui ou demain, du traditionnel Chanson napolitaine avec des rythmes et des instruments nord-africains. [59]

Un rapport économique récent indique que l'industrie de la musique en Italie a produit 2,3 milliards d'euros en 2004. Cette somme concerne la vente de CD, d'électronique musicale, d'instruments de musique et la vente de billets pour des spectacles en direct. 4,35% en 2004. Ventes réelles de musique les albums ont légèrement diminué, mais il y a eu une augmentation compensatrice de la musique payante téléchargée numériquement à partir de sites approuvés par l'industrie. A titre de comparaison, l'industrie du disque italienne est à la huitième place dans le monde, les Italiens possèdent 0,7 album de musique par habitant par rapport aux États-Unis, en première place avec 2,7. Le rapport cite une augmentation de 20% en 2004 par rapport à 2003 des redevances payées pour la musique en direct et à l'antenne. [61]

À l'échelle nationale, il existe trois réseaux de télévision publics et trois réseaux de télévision privés. Tous diffusent de la musique en direct au moins une partie du temps, employant des musiciens, des chanteurs et des danseurs. De nombreuses grandes villes italiennes ont également des chaînes de télévision locales, qui peuvent offrir de la musique en direct ou de la musique en dialecte souvent d'intérêt uniquement dans les environs immédiats. Des hypermarchés de livres et de CD sont entrés sur le marché italien au cours des dix dernières années. La plus grande de ces chaînes est Feltrinelli, à l'origine une maison d'édition dans les années 1950. En 2001, il a atteint le niveau de Magasin multimédia et maintenant il vend d'énormes quantités de musique enregistrée. Depuis 2006, il existe 14 méga magasins de ce type en Italie, d'autres sont prévus. La FNAC est une autre grande chaîne, d'origine française. Il possède six grands magasins en Italie. Ces boutiques servent également de lieux de spectacles musicaux, accueillant plusieurs concerts par semaine.

Les salles de concert en Italie comprennent des concerts dans les nombreux conservatoires de musique, les salles symphoniques et les opéras. L'Italie a également de nombreux festivals de musique internationaux bien connus chaque année, y compris le Festival dei Due Mondi à Spoleto, le Festival Puccini et le Festival Wagner à Ravello. Certains festivals offrent des lieux aux jeunes compositeurs de musique classique en produisant et en mettant en scène les œuvres gagnantes dans le cadre de concours. Le lauréat, par exemple, du Concours international "Orpheus" pour le nouvel opéra et la musique de chambre - en plus d'avoir remporté un prix en argent considérable - peut voir son œuvre musicale présentée au Festival de Spoleto. [62] Il y a aussi des douzaines de classes de maître financées par le privé en musique, qui chaque année mettent en scène des concerts pour le public. L'Italie est également une destination commune pour les orchestres connus de l'étranger à presque tout moment pendant la saison la plus chargée, au moins un orchestre majeur d'autres régions d'Europe ou d'Amérique du Nord organise un concert en Italie. De plus, de la musique publique peut être entendue dans des dizaines de concerts pop et rock tout au long de l'année. L'opéra en plein air peut également être entendu, par exemple, dans l'ancien amphithéâtre romain, l'Arena di Verona.

Les orchestres militaires sont également populaires en Italie. Au niveau national, l'un des plus connus est le groupe musical de Police des finances (Douane italienne / Police des frontières) se produit plusieurs fois par an.

De nombreux théâtres organisent également régulièrement non seulement des traductions italiennes de comédies musicales américaines, mais aussi de véritables comédies musicales italiennes, comme on les appelle par le terme anglais. musical. En italien, ce terme décrit une sorte de drame musical qui n'est pas originaire d'Italie, une forme qui utilise l'idiome américain de la musique et des rythmes jazz-pop et rock pour continuer une histoire dans une combinaison de chansons et de dialogues.

La musique dans les rituels religieux, en particulier dans les rituels catholiques, se manifeste de diverses manières. Les bandes paroissiales, par exemple, sont assez courantes dans toute l'Italie. Ils peuvent être petits avec quatre ou cinq membres ou jusqu'à 20 ou 30. Ils se produisent généralement lors de festivals religieux caractéristiques d'une ville particulière, généralement en l'honneur du saint patron de la ville. Les chefs-d'œuvre d'orchestre / chorale historiques exécutés à l'église par des professionnels sont bien connus, notamment des œuvres telles que lo Stabat mater par Giovanni Battista Pergolesi et le Requiem par Verdi. Le Concile Vatican II, de 1962 à 1965, a révolutionné la musique dans l'Église catholique romaine, conduisant à une augmentation du nombre de chœurs amateurs qui se produisent régulièrement pour divers services religieux, le Concile a également encouragé le chant en congrégation d'hymnes et au cours des 40 dernières années. un vaste répertoire de nouveaux hymnes a été composé. [63]

Il n'y a pas beaucoup de musique de Noël originale d'Italie. Le chant de Noël italien le plus célèbre est "Tu scendi dalle stelle", les mots italiens modernes qui ont été écrits par le pape Pie IX en 1870. La mélodie est une version majeure d'une chanson napolitaine plus ancienne, "Quanno Nascette Ninno". En plus de cela, les Italiens chantent principalement des traductions de chansons issues de la tradition allemande et anglaise ("Silent Night", par exemple). Il n'y a pas de musique profane de Noël italienne, ce qui explique la popularité des versions italiennes de "Jingle Bells" et "White Christmas". [64]

Le Festival de Sanremo est un lieu important pour la musique populaire en Italie. Il a lieu chaque année depuis 1951 et se déroule au Théâtre Ariston de Sanremo. Il dure une semaine en février et offre aux vétérans et aux nouveaux artistes la possibilité de présenter de nouvelles chansons. Gagner le concours a souvent été un tremplin vers le succès de l'industrie. Le festival est télévisé dans tout le pays pendant trois heures par nuit, est animé par les personnalités de la télévision italienne les plus connues et a été un tremplin pour des artistes tels que Domenico Modugno, peut-être le chanteur pop italien le plus célèbre des 50 dernières années.

Les émissions de télévision de variété sont le lieu le plus approprié pour la musique populaire. Ils changent souvent, mais Bon dimanche, Dimanche dans est J'ai recommandé ils sont populaires. L'émission musicale la plus longue d'Italie est La Corrida - Amateurs en danger, un programme hebdomadaire de trois heures d'amateurs et de musiciens en herbe. [65] Il a commencé à la radio en 1968 et s'est déplacé à la télévision en 1988. Les auditoires de studio portent des cloches de vache et des sirènes et sont encouragés à montrer la désapprobation de bonne humeur. La ville avec le plus grand nombre de concerts de rock (d'artistes nationaux et internationaux) est Milan, avec un certain nombre à proximité d'autres capitales européennes de la musique, telles que Paris, Londres et Berlin.

De nombreux établissements d'enseignement supérieur enseignent la musique en Italie. Environ 75 conservatoires de musique offrent une formation avancée aux futurs musiciens professionnels. Il existe également de nombreuses écoles de musique privées et des ateliers de fabrication et de réparation d'instruments. L'enseignement privé est également assez courant en Italie. Les élèves du primaire et du secondaire peuvent s'attendre à avoir une ou deux heures d'enseignement de la musique par semaine, généralement en chant choral et en solfège de base, bien que les opportunités parascolaires soient rares. [66] Bien que la plupart des universités italiennes aient des cours dans des matières connexes telles que l'histoire de la musique, les performances musicales ne sont pas une caractéristique commune de l'enseignement universitaire.

L'Italie a un système spécialisé de lycées, les étudiants fréquentent, à leur choix, un lycée de sciences humaines, de sciences, de langues étrangères ou d'art et de musique (dans le "liceo musica", où instruments, solfège, composition et histoire musicale sont enseignées comme matière principale). L'Italie a des programmes ambitieux et récents pour rapprocher les enfants de plus de musique. Également avec la récente réforme de l'éducation, une réforme spécifique Lycée de musique et de danse (lycée secondaire, 14-15-18-19 ans) est explicitement indiqué par les décrets-lois. [67] Pourtant, ce type d'école n'a pas été créé et n'est pas réellement opérationnel. Le réseau de télévision d'État a lancé un programme visant à utiliser la technologie moderne des satellites pour diffuser de la musique chorale dans les écoles publiques. [68]

La culture dans le domaine de la collecte, de la préservation et du catalogage de toutes les variétés musicales est vaste. En Italie, comme ailleurs, ces tâches sont réparties entre différentes agences et organisations. La plupart des grands conservatoires de musique ont des départements qui supervisent la recherche associée à leurs collections. Cette recherche est coordonnée au niveau national et international via Internet. Une institution importante en Italie est IBIMUS, leInstitut de bibliographie musicale, à Rome. Il travaille avec d'autres agences à l'échelle internationale à travers RISM, le Répertoire International des Sources Musicales, un inventaire et un index du matériel source. En outre, le Discothèque d'État of Rome, fondée en 1928, détient la plus grande collection publique de musique enregistrée en Italie avec environ 230000 exemples de musique classique, de musique folklorique, de jazz et de rock, enregistrés sur tous les supports, des anciens cylindres de cire aux systèmes électroniques modernes.

L'étude académique de la musique traditionnelle italienne a commencé vers 1850, avec un groupe de premiers ethnographes philologiques qui ont étudié l'impact de la musique sur une identité nationale pan-italienne. Une identité italienne unifiée n'a commencé à se développer qu'après l'intégration politique de la péninsule en 1860. L'accent était alors mis sur la valeur lyrique et littéraire de la musique, plutôt que sur l'instrumentation qui resta jusqu'au début des années 1960. Deux magazines folkloriques ont contribué à encourager le domaine d'études en plein essor, le Magazine italien des traditions populaires est Lares, fondée respectivement en 1894 et 1912. Les premières études musicales importantes portaient sur la launeddas sarde del 1913-1914 de Mario Giulio Fara, sur la musique sicilienne, publiée en 1907 et 1921 par Alberto Favara et sur la musique de l'Émilie-Romagne en 1941 par Francesco Balilla Pratella.

Les premiers enregistrements de musique traditionnelle italienne ont eu lieu dans les années 1920, mais étaient rares jusqu'à la fondation du Centre national d'études de la musique populaire à l'Académie nationale de Santa Cecilia à Rome. Le Centre a parrainé de nombreux voyages de collecte de chansons à travers la péninsule, en particulier dans le sud et le centre de l'Italie. Giorgio Nataletti a été une figure déterminante du Centre et a également réalisé de nombreux enregistrements. Le savant américain Alan Lomax et l'Italien Diego Carpitella ont fait une étude exhaustive de la péninsule en 1954. Au début des années 1960, un réveil radical a encouragé de nouvelles études, en particulier sur les cultures musicales du nord, que de nombreux savants considéraient auparavant comme peu de culture populaire. . Les savants les plus éminents de cette période étaient Roberto Leydi, Ottavio Tiby et Leo Levi. Au cours des années 1970, Leydi et Carpitella se sont vu attribuer les deux premières chaires d'ethnomusicologie dans les universités, avec Carpitella à l'Université de Rome et Leydi à l'Université de Bologne. Dans les années 1980, les universitaires italiens ont commencé à se concentrer moins sur la réalisation d'enregistrements que sur l'étude et la synthèse des informations déjà recueillies. D'autres ont étudié la musique italienne aux États-Unis et en Australie et la musique populaire d'immigrants récents en Italie. [32]


Théâtrosophie # 102. Epicarmo et la comédie de Pythagore?

AU THÉÂTRE, COLONNE ÉDITÉE PAR ENRICO PIERGIACOMI - Chercheur post-doctorant et expert en histoire de la philosophie ancienne à l'Université de Trente - NOUS AVENTONS DÉCOUVRIR LES LIENS ENTRE LA PHILOSOPHIE ANCIENNE ET LE THÉÂTRE. CHAQUE SORTIE PRÉSENTE UN THÈME SPÉCIFIQUE, TRAVERSÉ PAR UN RAISONNEMENT. # 102 présente une enquête entre la comédie et les mathématiques, entre Epicarmo et Pythagore.

Teia, L. (2015). Les triplets de Pythagore expliqués par des carrés centraux. Australian Senior Mathematical Journal, 29 (1), 7-15.

Au dramaturge Epicarmo de Syracuse de nombreux grands honneurs ont été décernés. La tradition le considère comme l'inventeur légendaire de la comédie et un auteur qui a grandement influencé la formation culturelle / intellectuelle de Platon [Nous en avons parlé ici]. D'autres sources lui reconnaissent également l'honneur d'avoir été membre de l'école de Pythagore. Diogène Laertius prétend que Pythagore a intitulé l'une de ses œuvres après Epitale, c'est-à-dire le père d'Epicarmus. Iamblichus et un commentaire anonyme sur Teeteto de Platon est allé encore plus loin. En plus de rapporter qu'Epicarmus a enseigné les vérités mystiques et scientifiques de Pythagore à son fils Metrodorus, ils le présentent comme un dramaturge qui cachait ces doctrines dans les structures amusantes et légères de la comédie, les soustrayant ainsi à la censure et à la répression du tyran Gérone. de Syracuse, à son tour hostile à Pythagore et à ses disciples.

La fiabilité historique de la foi pythagoricienne de ce dramaturge est difficile à évaluer. Il trouve, en effet, des indications à la fois favorables et contraires. La confirmation de la profession de pythagorisme d'Epicarmo vient de Plutarque, qui nous informe que, dans le discours Vers Antenore, le dramaturge avait affirmé que Pythagore avait reçu la citoyenneté de la communauté romaine alors naissante. La connaissance d'un tel détail spécifique peut être une indication de l'intérêt du dramaturge pour la vie du philosophe. La nouvelle qu'Epicarmo diffusait les doctrines pythagoriciennes avec ses pièces serait alors corroborée par le témoignage parallèle de l'existence de quelques dramaturges pythagoriciens, qui utilisaient le théâtre pour communiquer les théories pythagoriciennes au grand public. Enfin, les deux livres de l'œuvre perdue d'Aristote méritent d'être mentionnés Sur la poétique selon les pythagoriciens, qui ne nous est connu que par le catalogue de l'ancien péripatéticien tardif nommé Ptolémée et dont le titre peut faire allusion aux pièces controversées de ces philosophes.

Tous les témoignages mentionnés sont cependant isolés et, par conséquent, leur véracité est douteuse. Surtout, ce que dit Plutarque est réduit par l'idée que l'Epicarmo historique n'aurait peut-être pas eu de raison de se référer à l'attribution de la citoyenneté romaine à Pythagore comme un événement significatif. Rome n'était pas encore la grande puissance politique et militaire qu'elle deviendrait, il n'aurait donc pas été prestigieux de concevoir Pythagore comme membre de cette communauté.

Un refus possible de l'adhésion d'Epicarmo au pythagorisme dérive, cependant, d'une comparaison directe avec les textes Epicarmic. Aucun fragment des 52 comédies qui ont été jouées en tout ou en partie au cours de la carrière artistique d'Epicarmo - et ensuite rassemblées en dix volumes par Apollodore d'Athènes - ne contient rien de comparable à une doctrine certainement pythagoricienne, telle que la théorie de la composition de la réalité. en nombre ou en métempsychose. Le même discours s'applique aux dramaturges mentionnés ci-dessus: pourquoi ils ont été appelés «pythagoriciens» n'est pas clair, et il ne trouve pas non plus de confirmation forte dans les quelques fragments que nous connaissons. Un extrait intéressant du livre XIV dei Sophistes au banquet d'Athénée atteste donc comment certains écrivains attribuaient leurs écrits au dramaturge sicilien. Parmi ceux-ci, se distingue le flûtiste Crisonogono, un contemporain d'Alcibiade qui accompagna son triomphe contre les Spartiates en 408 av.J.-C. avec le son de la flûte. et auteur d'un République. Un autre personnage mentionné est un Axiopisto non identifié, qui a écrit un Canon et de Jugements. On ne peut donc pas exclure que les doctrines pythagoriciennes que la tradition antique attribue à Epicarmus appartiennent en réalité à de tels écrivains, qui auraient peut-être voulu transmettre leurs idées au dramaturge prestigieux pour les faire paraître également exceptionnelles.

Cette hypothèse négative semble à son tour démontrée par l'observation que ce sont précisément les quelques fragments du République de Chrysogonus pour transmettre une doctrine d'origine pythagoricienne possible. Le flûtiste écrit que l'humanité a besoin de calcul et de nombre pour vivre: l'une serait une faculté que les êtres humains apprennent à la naissance, l'autre serait le principe divin qui ordonne tout selon l'harmonie et fait que l'humanité vous apprenne les arts ou les sciences les plus complexes. De ces enseignements divins, l'humanité viendrait pour atteindre l'utile et, par conséquent, maximiser le bien-être accessible dans cette vie.

On pourrait certainement objecter qu'un simple flûtiste ne pourrait pas rapporter une doctrine aussi subtile mais aussi dense. D'autre part, il est attesté que les pythagoriciens les plus anciens et chronologiquement proches de Chrysogonus se sont intéressés à l'art de jouer de la flûte. On peut citer ici les noms d'Archita et d'Eufranore, qui ont même écrit des traités Sur les salles de classe ou alors Sur les aulettes. Le premier Pythagore, cependant, a recouru à la description de la façon dont les sons aigus ou graves de la flûte sont émis pour expliquer qu'il y a une proportion entre le mouvement et la qualité sonore. Le fait que Chrysogonus était un flûtiste professionnel serait ainsi inversé en un argument en faveur de sa foi pythagoricienne.

Si la reconstruction menée ici exclut Epicarmus des rangs du pythagorisme, elle parvient également à un résultat positif dans tous les cas. Si Crisogono a effectivement véhiculé avec sa comédie intitulée République des doctrines pythagoriciennes, il est probable que certains dramaturges pythagoriciens et une poétique théâtrale pythagoricienne aient existé, bien que cela ne puisse être entièrement certain. Sur le contenu même du théâtre des Pythagoriciens, en revanche, rien ne peut être dit faute de preuves textuelles. Le peu qui peut être aventuré - toujours dans le sillage du précédent vérifiable de Crisogonus - est qu'il a fait du jeu de la comédie le bon moyen de transmettre le contenu difficile de la métaphysique du nombre et de l'harmonie.

Enrico Piergiacomi

[Pythagore a écrit le traité] Elotal (le père d'Epicarmus de Kos) (Diogène Laertius, livre VIII, chap.7 = Epicarmo, T7 trad. Marcello Gigante)

Epicarmo de Titiro ou Chimaro et de Secide, de Syracuse ou de Crasto, ville des Sicani. Il a inventé avec Formo la comédie, à Syracuse. Il représentait 52 pièces, ou, selon Licho, 35. Certains disent qu'il était de Kos, de ceux qui sont venus en Sicile avec Cadmus, d'autres qu'il était de Samos, d'autres qu'il était de Megara de Sicile. Il m'a représenté en Sicile six ans avant les guerres perses (Suda, Lexique, élément E 2766 = Epicarmo, T1)

Epicarmo de Elotale, de Kos. Lui aussi écoutait Pythagore. Il avait trois mois quand il a été emmené à Megara di Sicilia de là, il est venu à Syracuse, comme il le dit lui-même dans ses écrits. Ces versets inscrits dans sa statue lui sont dédiés: «De ce que les étoiles du soleil dépassent la grande splendeur, / de ce que la grande force de la mer dépasse les fleuves, / de tant, dis-je, Epicarmus excelle en sagesse sur tout, / que cette patrie de Syracuse a couronnée ». Il a écrit des mémoires dans lesquels il traitait de questions naturelles, de médecine, de questions morales. Dans la plupart des mémoires, il a utilisé des acrostiches, par lesquels il révèle que les mémoires étaient les siens. Il est mort à quatre-vingt-dix (Diogène Laertius, La vie des philosophes, livre VIII chap. 78 = Epicarmo, T9)

Ils disent qu'Epicarmus était aussi l'un de ses auditeurs externes [= de Pythagore], mais qu'il ne faisait pas partie de sa secte. Lui, étant allé à Syracuse, s'est abstenu de philosopher ouvertement, par crainte du tyran Gérone, mais il a exposé en vers la pensée de ces hommes, et ainsi, en plaisantant, il a répandu, de manière ludique, les opinions de Pythagore ( Iamblichus, La vie de Pythagore, Cap. 36, § 266 = Epicarmo, T12 trans. modifié)

Metrodoro, "frère" de Tirso, transféra la plupart des enseignements de son père Epicarmus et Pythagore à la médecine. Expliquant les discours de son père à son frère, il dit qu'Epicarmus et, avant lui, Pythagore, considéraient le dialecte dorique comme le meilleur (Iamblique, La vie de Pythagore, Cap. 34, § 241 = Epicarmo, T13)

Epicarmo, ayant fréquenté les Pythagoriciens, a bien représenté diverses scènes dramatiques, et en particulier celle sur l'homme en croissance, dont il traitait un argument méthodique et fiable. Mais, dans tous les cas, le fait que des fuites et des ajouts se produisent est évident, si au lieu de rester stable, on devient plus gros ou plus petit, mais si c'est le cas, les substances deviennent différentes à des moments différents en raison du flux continu. Et il a décrit la scène de manière comique, avec l'homme à qui l'on demande de contribuer au banquet, niant qu'il est la même personne parce qu'il a eu des ajouts et des pertes et que l'homme qui a fait la demande le frappe et est accusé., répond à son tour que celui qui l'avait frappé en était un autre, l'accusé en était un autre (Anonyme, Commentaire sur le "Teetet" de Platon, avec le. 71.12-40 = Epicarmo, fr. 136 éd. et trad. Bastianini-Sedley)

Les Romains ont accordé la citoyenneté à Pythagore, comme il le raconte dans le discours Vers Antenore Epicarmus, un homme des temps anciens, qui faisait partie de la secte des Pythagoriciens (Plutarque, La vie de Numa, Cap. 8, § 17 = Epicarmo, T11 et fr. 296 trad. modifié)

  1. A) Catalogue des œuvres d'Aristote sur la base de ce qu'un certain Ptolémée fait référence à Gallus dans son livre. B) Parmi les livres célèbres mentionnés par Ptolémée, ce sont ceux d'Aristote: (...) Sur la poétique selon les pythagoriciens, deux livres (Ptolemy Peripatetic, To Gallo sur la vie et les œuvres d'Aristote, à Ibn Abi Usaybi'a, La vie des médecins, dans Gigon pp. 38-40 trad. ma)

Je voulais le faire à la manière de l'Athénien Apollodore et du Péripatéticien Andronic, dont le premier a rassemblé les œuvres d'Epicarmus le dramaturge en dix volumes, le second a divisé celles d'Aristote et de Théophraste selon les arguments (Porphyre, Vie de Plotin, Cap. 24 = Epicarmo, T34 et Apollodore d'Athènes, T18 Williams)

Le terme Hemína les auteurs des compositions attribuées à Epicarmo, et dans celui intitulé Chiron il est dit: "et buvez deux fois plus d'eau tiède, deux bols [hemínai]". Ces compositions, faussement attribuées à Epicarmo, ont été écrites par d'illustres auteurs: l'aulet Chrysogonus, comme le dit Aristoxène dans le huitième livre de Lois civiles, a écrit celui intitulé République au lieu de cela Canon et le Jugements Axiopisto di Locri ou Sicione les a écrits, d'après ce que Philocorus déclare dans les livres sur Divination. La même nouvelle est également donnée par Apollodore (Athénée, Les Sophistes au Banquet, Livre XIV, chap.59 = Epicarmus, Ti Aristosseno, fr.45 Wehrli Filocoro, fr.328 Jones Apollodorus of Athens, fr.226 Williams transl. Camphor , légèrement modifié)

L'humoriste Epicarmo parle clairement de la raison dans le République, de cette manière: "La vie humaine a besoin de nombres et de calculs, nous vivons de nombres et de calculs: ce sont les choses qui sauvent les mortels." Et puis il ajoute explicitement: «La raison gouverne convenablement les hommes et les sauve». Et puis: «L'homme a le calcul, et il y a aussi la raison divine. La raison humaine s'obtient dès la naissance que le divin accompagne tout le monde, leur apprenant les arts eux-mêmes, bref ce qu'il leur est utile de faire. Parce que l'homme n'a pas trouvé les arts, c'est le dieu qui les enseigne: la raison de l'homme vient de celle du dieu (Clément d'Alexandrie, Stromates, livre V, chap. 14, § 118 = Epicarmus, fr. 240 trad. modifié)

Après l'exil, [Alcibiade] fit des Athéniens maîtres de l'Hellespont, et après avoir capturé plus de cinq mille Péloponnèse, il les envoya à Athènes. Au moment de rentrer chez lui après ces exploits, il a couronné les trirèmes attiques avec des brindilles, des bandes et des bandages, a fait atteler les navires capturés et privés de leur bec, qui étaient environ deux cents, puis a mis à la voile également menant des navires de transport, pleins de proies et armes laconiques et du Péloponnèse. Le trirème sur lequel il a navigué jusqu'aux portes du Pirée a précédé le convoi aux voiles mauves lorsqu'il est entré dans le port et les rameurs ont retiré les rames, Chrysogonus, vêtu du costume pythien, a chanté la "mélodie du trirème" que l'acteur tragique Callippides a donné cadence portant des vêtements de scène. C'est pourquoi un bel esprit a dit: "Sparte n'aurait pas pu endurer deux Lysandres, ni Athènes deux Alcibiade" (Athénée de Naucrati, Les sophistes au banquet, livre XII, chap. 49 trad. Camphre)

Alcibiade, souhaitant désormais revoir sa patrie, mais bien plus encore en voulant être vu par ses concitoyens après avoir remporté plusieurs fois les ennemis, a mis les voiles avec les trirèmes attiques ornés de plusieurs boucliers et de nombreux butins, emportant avec lui de nombreux capturés. et des navires encore plus nombreux, ornements de proue des navires qu'il gagna et coula. Au total, il n'y en avait pas moins de deux cents. Ce que Durides of Samo, qui prétend être un descendant d'Alcibiade, ajoute à ce que j'ai dit, à savoir que Chrysogonus, le vainqueur des jeux pythiques, rythmait l'action des rameurs à la flûte, et que Callippide, acteur tragique, a donné des ordres, tous deux vêtus de toge droite, de systis et de toute la robe typique des agonis, et que le navire amiral entre dans le port avec une voile violette, comme si après une ivresse une procession dionysiaque était en cours, cela ne fait ni Théopompe, ni Ephorus, ni Xénophon ne l'a écrit, et il n'était pas probable que revenant après l'exil et des mésaventures aussi graves, il se donnerait de tels airs devant les Athéniens. En réalité, il est revenu avec peur, et quand il a atterri, il n'est pas descendu du trirème avant, debout sur le pont, il a vu Eurytolemus, son cousin, qui était là avec plusieurs parents et amis venus l'accueillir, l'invitant à descendez (Plutarque, Vie d'Alcibiade, Cap. 32, §§ 1-2 trans. Magnino)

Je connais aussi d'autres types de salles de classe, comme celles pour la tragédie, celles pour les mimes de Lyse et celles pour l'accompagnement de la lyre, Ephorus en parle dans le Les inventions, l'Euphranor de Pythagore dans son traité Les salles de classe et aussi Alessone, également dans le traité Les salles de classe (Athénée de Naucrati, Les sophistes au banquet, livre IV, chap. 80)

Même parmi les Pythagoriciens, il y en avait beaucoup qui se consacraient à l'aulétique, comme Eufranore, Archita, Filolao et divers autres. Eufranore nous a même laissé un traité sur les salles de classe, et la même chose a fait Archita (Athénée de Naucrati, Les sophistes au banquet, livre IV, chap. 84 = Archite, fr. 47 B 6 NSP)

Même Pirrandro n'en a pas parlé en studio Sur les aulettes, ni Phyllis de Délos: pourtant lui aussi a composé Sur les aulettes, ainsi qu'Eufranore (Athénée de Naucrati, Les sophistes au banquet, livre XIV, chap. 35)

Il me semble que ceux qui se sont consacrés aux mathématiques ont acquis d'excellentes connaissances. Et il n'est pas étrange qu'ils aient pensé correctement aux propriétés des choses individuelles: parce que, connaissant la nature de l'ensemble, ils ne pouvaient pas manquer de bien voir aussi à quel point les choses sont particulières. Ainsi ils nous ont donné des notions claires sur la vitesse des étoiles et sur leur montée et leur coucher ainsi que sur la géométrie et l'arithmétique et sur la science des sphères et surtout sur la musique car ces sciences semblent être sœurs, comme celles qui traitent de les deux toutes premières espèces de l'entité, qui sont sœurs. Ils ont donc vu, tout d'abord, qu'il ne peut y avoir de bruit s'il n'y a pas de choses qui se heurtent. Et cette collision, disaient-ils, se produit lorsque, dans leur mouvement, les choses se rencontrent et s'unissent: pourquoi, quand les choses qui bougent dans le sens opposé se rencontrent et s'empêchent, ou quand, se déplaçant dans la même direction mais à une vitesse différente, sont atteintes par chacun d'autres, alors, en collision, ils produisent du bruit. Ils ont alors dit qu'on ne perçoit pas beaucoup de sons, soit parce que l'impact est faible, soit parce qu'il se produit à grande distance, soit, certains, parce qu'ils sont trop gros: tout comme ce que l'on veut y verser n'entre pas étroit navires, quand c'est trop. Et parmi les sons que nous pouvons percevoir, ceux produits par des impacts rapides et «forts» sont aigus, ceux produits par des impacts lents et faibles sont sévères. Ainsi, si l'on prend une verge et la secoue lentement et faiblement, il produit, avec ses coups, des sons graves: si, au contraire, il la secoue rapidement et fortement, il produit des sons aigus. Non seulement de cette manière peut-on se rendre compte que c'est le cas, mais aussi de cette autre manière: quand on veut, en parlant et en chantant, envoyer une voix forte et aiguë, on envoie l'air avec force ***. Et cela se passe comme on le voit pour les armes à réaction: celles qui sont lancées fortement vont loin, celles qui sont faiblement lancées se rapprochent: parce que, quand elles vont fort, l'air donne plus, quand elles vont lentement, l'air cède moins. Il en va de même pour les voix: celles produites par un souffle fort sont fortes et aiguës, celles produites par un souffle faible sont faibles et graves. Que les choses soient comme ça montre clairement cet autre fait aussi: si un homme parle fort, on l'entend même de loin si le même homme parle doucement, on ne l'entend même pas de près. Donc aussi dans les flûtes.Le souffle qui vient de la bouche, lorsqu'il pénètre dans les trous qui lui sont proches, en raison de la grande force, produit un son plus aigu lorsqu'il pénètre dans les trous éloignés, produit un son plus grave. Il est donc évident qu'un mouvement rapide produit des sons aigus, un mouvement lent et grave. La même chose se passe dans les tambourins qui sont secoués lors des cérémonies d'initiation: secoués doucement, ils envoient un son lourd, secoué fortement, ils envoient un son aigu. Ainsi le flacon: si on le souffle en obstruant la partie inférieure, il nous donnera un son "grave" si on l'obstrue au milieu ou en tout autre point, il enverra un son aigu: car le même souffle dans le le premier cas sort faible pour la longueur de l'espace qui traverse, dans le second cas il ressort fort pour la longueur la plus courte (Porphyre, Sur l'harmonica de Ptolémée, p. 56 et art. = Archite, fr. 47 B 1 NSP)

[La collection complète des sources et des fragments d'Epicarmo est recueillie dans Kassel Rudolf, Colin Austin (éd.), Poetae Comici Graeci. Vol. I: Comoedia Dorica, Mimi, Phlyaces, Berlin-New York, De Gruyter, 2001. Sauf indication contraire, toutes les interprétations italiennes de textes anciens sont de Gabriele Giannantoni (éd.), Les présocratiques: témoignages et fragments, Roma-Bari, Laterza, 2004. Les autres traductions et recueils de textes sont par:

  • Domenico Magnino (édité par), Plutarque: des vies parallèles. Vol. 2, Turin, UTET, 1992
  • Fritz Wehrli (Hrsg.), Die Schule des Aristoteles. Groupe 2: Aristoxenos, Bâle, Schwabe, 1967
  • Guido Bastianini, David Sedley (édité par), Commentarium à Platonis "Theaetetum", dans AA.VV., Corpus de papyrus philosophiques. Partie III: Commentaires, Florence, Olschki, 1995, p. 227-562
  • Jones, Nicholas F., Philochore d'Athènes (328), dans Le nouveau Jacoby de Brill, Rédacteur général: Ian Worthington (Université Macquarie). Consulté en ligne le 18 janvier 2020
  • Luciano Canfora (édité par), Les hypnosophes: les savants au banquet, introduction par Christian Jacob, Rome, Salerne, 2001
  • Marcello Gigante (édité par), Diogène Laertius: la vie des philosophes, Rome-Bari, Laterza, 1962
  • Williams, Mary Frances, Apollodoros d'Athènes (244), dans Le nouveau Jacoby de Brill, Rédacteur général: Ian Worthington (Université Macquarie). Consulté en ligne le 18 janvier 2020]

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Indice

  • 1 Histoire
  • 2 Observation directe du phénomène: la sirène et le train
  • 3 Explication du phénomène
    • 3.1 Mouvement de la source
    • 3.2 Mouvement de l'observateur
    • 3.3 Formule générale
  • 4 applications
    • 4.1 Vie quotidienne
    • 4.2 Astronomie
    • 4.3 Le radar
    • 4.4 Médecine
    • 4.5 Musique
  • 5 notes
  • 6 Bibliographie
  • 7 Articles liés
  • 8 Autres projets
  • 9 Liens externes

L'effet a été analysé pour la première fois par Christian Andreas Doppler en 1845. Il a ensuite procédé à la vérification de son analyse dans une expérience célèbre: il se tenait à côté de la voie ferrée, et écoutait le son émis par un wagon rempli de musiciens, embauchés pour l'occasion, comme il s'est approché puis en s'éloignant. Il a confirmé que la hauteur du son était plus élevée lorsque la source du son approchait, et plus basse lorsqu'elle s'éloignait, de la quantité prévue. Hippolyte Fizeau a découvert indépendamment le même effet dans les ondes électromagnétiques en 1848 (en France, l'effet est parfois appelé «effet Doppler-Fizeau»).

L'effet Doppler peut être vu en écoutant la différence de son émis par la sirène d'un véhicule de secours à l'approche et à l'éloignement, ou dans le sifflet d'un train qui s'approche en premier puis s'éloigne. L'effet est d'autant plus évident que le véhicule est rapide. L'effet est encore plus perceptible lorsque l'objet ou la source émettant le son est proche d'un observateur.

Il est important de noter que la fréquence du son émis par la source ne change pas dans le référentiel solidaire de la source. Pour comprendre le phénomène, considérons l'analogie suivante: si nous sommes stationnaires sur la plage, nous voyons les vagues arriver, supposons toutes les cinq secondes, donc à une certaine fréquence si nous entrons maintenant dans l'eau et naviguons vers le large, nous nous rencontrons les vagues, alors nous les rencontrons plus fréquemment (la fréquence augmente), tandis que si nous naviguons vers le rivage, dans le même sens que les vagues, la fréquence avec laquelle nous les rencontrons diminue. Pour donner un autre exemple: quelqu'un lance une balle toutes les secondes dans notre direction. Supposons que les balles se déplacent à vitesse constante. Si le lanceur est immobile et que chaque balle est à la même vitesse moyenne que la première, nous recevrons une balle par seconde. Mais, s'il se déplace dans notre direction à la place, nous en recevrons plus dans le même laps de temps (c'est-à-dire à une fréquence plus élevée), car ils seront moins espacés. Au contraire, s'il s'éloigne, nous en recevrons moins dans l'unité de temps. Ce qui change, c'est donc la fréquence dans le système de référence du détecteur en conséquence, la hauteur du son perçu change.

Si une source en recul émet des ondes avec une fréquence F, alors un observateur stationnaire (par rapport au milieu de transmission) percevra les ondes avec une fréquence F ' donné par:

tandis que s'il approche:

où est-ce v est la vitesse des vagues au milieu et vs, r est la vitesse de la source par rapport au support (en ne considérant que le composant dans la direction qui unit la source et l'observateur). En termes relatifs, il peut aussi s'écrire:

Cette formule est équivalente à celle la plus couramment utilisée en spectroscopie dans les mesures astronomiques, pour calculer la vitesse và distance d'une source lumineuse, basée sur l'augmentation de sa longueur d'onde, c'est-à-dire le décalage de sa couleur vers le rouge (voir figure ci-dessous et «éléments associés», décalage vers le rouge, décalage vers le bleu):

où c est la vitesse de la lumière dans le vide, Δλ '= λ' - λ
est λ0 est la longueur d'onde au repos d'une raie donnée d'un élément chimique donné, préalablement mesurée en laboratoire.

Mouvement de la source Modifier

Considérons une onde sphérique émise par une source ponctuelle et sa longueur d'onde λ0 qui est la distance entre deux fronts d'onde successifs qui sont dans la même phase, par exemple deux maxima.
La relation qui lie la fréquence F , la période T.0 = 1 / f et vitesse v la propagation des ondes est:

Si la source se déplace avec vitesse vs par rapport à l'observateur (stationnaire),
ledit θ l'angle entre la vitesse et la direction vers l'opérateur, et ledit vs, r= vsdonc la composante de vitesse en direction de l'observateur,
au fil du temps T0, qui passe entre un front d'onde et le suivant, la source s'approche de l'observateur d'une distance égale à vs, rT.0. La distance entre les deux fronts, vers l'observateur, est raccourcie de cette quantité et donc la longueur d'onde perçue devient plus courte et vaut:

Remplacer la période T.0 la formule équivalente λ / v , on a:

Mouvement de l'observateur Modifier

Une analyse similaire pour un observateur en mouvement et une source stationnaire donne la fréquence observée (la vitesse de l'observateur est indiquée par vos):

Dans ce cas l'observateur se déplaçant vers la source reçoit un plus grand nombre de fronts d'onde dans le même intervalle de temps et perçoit une fréquence plus élevée: plus précisément, dans un temps égal à une seconde, l'observateur en mouvement reçoit, en plus du nombre F0=v / λ0 de trains d'ondes émis par la source, également un nombre de trains d'ondes égal à vos/ λ0=vos• F0/ v.

Formule générale Modifier

En général, la fréquence observée est donnée par:

où est-ce vr est la vitesse du récepteur, vs est la vitesse de la source, v est la vitesse du son au milieu. Toutes les vitesses sont positives si elles sont dans la même direction le long de laquelle l'onde se propage, ou négatives si elles sont dans la direction opposée.

La première tentative d'étendre l'analyse Doppler aux ondes lumineuses a été faite peu de temps après par Fizeau. Mais les ondes lumineuses ne nécessitent pas de milieu pour se propager, et un traitement approprié de l'effet Doppler pour la lumière nécessite l'utilisation de la relativité restreinte (voir effet Doppler relativiste). Dans le cas des ondes mécaniques, telles que les ondes sonores, le milieu dans lequel les ondes se propagent identifie un système de référence privilégié. Il existe donc une différence physique entre le cas où l'observateur est stationnaire et la source en mouvement, et inversement celui où la source est stationnaire et l'observateur en mouvement. Pour la lumière, cependant, tous les systèmes de référence sont physiquement équivalents. Dans l'expression relativiste, le décalage Doppler ne doit dépendre que de la vitesse relative de la source et de l'observateur. [1]

Vie quotidienne Modifier

Une sirène d'ambulance commencera à être entendue plus haut que sa tonalité stationnaire, plus bas lorsqu'elle passe devant l'observateur, et continuera plus bas que sa tonalité stationnaire lorsqu'elle s'éloigne de l'observateur. L'astronome amateur John Dobson a décrit l'effet de cette façon:

«La raison pour laquelle le ton d'une sirène change est qu'elle ne vous a pas frappé.

En d'autres termes, si la sirène s'approchait directement vers l'observateur, la tonalité resterait constante (quoique plus élevée que l'original) jusqu'à ce qu'elle atteigne l'observateur, et sauterait immédiatement à une tonalité plus basse une fois qu'elle le passait (à condition que l'observateur soit toujours capable de l’entendre). Comme, normalement, la sirène passe à une certaine distance de l'observateur, sa vitesse radiale change continuellement, en fonction de l'angle entre la ligne de visée de l'observateur et la vitesse vectorielle de la sirène:

Astronomie Modifier

L'effet Doppler, appliqué aux ondes lumineuses, est fondamental en astronomie radar. L'interprétant comme dû à un mouvement réel de la source (des interprétations alternatives mais moins répandues existent également), il a été utilisé pour mesurer la vitesse à laquelle les étoiles et les galaxies s'approchent ou s'éloignent de nous, pour découvrir qu'une étoile apparemment unique est, en réalité, une étoile binaire avec des composants très proches les uns des autres, et aussi pour mesurer la vitesse de rotation des étoiles et des galaxies.

L'utilisation de l'effet Doppler en astronomie repose sur le fait que le spectre électromagnétique émis par les objets célestes n'est pas continu, mais montre des raies spectrales à des fréquences bien définies, corrélées aux énergies nécessaires pour exciter les électrons de divers éléments chimiques. L'effet Doppler est reconnaissable lorsque les raies spectrales ne sont pas trouvées aux fréquences obtenues en laboratoire, à l'aide d'une source stationnaire. La différence de fréquence peut être directement traduite en vitesse à l'aide de formules appropriées.

Étant donné que les couleurs aux deux extrémités du spectre visible sont le bleu (pour les longueurs d'onde plus courtes) et le rouge (pour les longueurs d'onde plus longues), l'effet Doppler est souvent appelé en astronomie un décalage vers le rouge s'il diminue.la fréquence de la lumière, et le décalage du bleu comme vous l'augmentez.

L'effet Doppler a conduit au développement de théories sur la naissance et l'évolution de l'Univers comme le Big Bang, basées sur le redshift systématique montré par presque toutes les galaxies externes. Cet effet a été codé dans la loi de Hubble.

L'effet Doppler est également la preuve de l'expansion continue de l'univers. En fait, considérons une étoile: en vérifiant sa longueur d'onde on remarquera qu'elle se déplace de plus en plus vers le rouge. Cela signifie que sa longueur d'onde a augmenté et par conséquent l'étoile est de plus en plus éloignée de nous. Cela indique que l'univers est en constante expansion et que chaque élément a tendance à s'éloigner de tout, allongeant de plus en plus sa longueur d'onde.

Le radar d'édition

L'effet Doppler est également utilisé dans certaines formes de radar pour mesurer la vitesse des objets détectés. Un faisceau radar est lancé contre un objet en mouvement, par exemple une voiture, dans le cas du radar fourni aux forces de police de nombreux pays à travers le monde. Si l'objet s'éloigne du radar, chaque onde de retour a dû parcourir plus d'espace que la précédente pour atteindre l'objet et revenir, de sorte que l'espace entre deux ondes successives s'allonge et la fréquence des ondes radio change. d'une manière mesurable. En utilisant les formules de l'effet Doppler, il est possible de trouver la vitesse de l'objet. Ce type de radar est largement utilisé pour les prévisions météorologiques car il permet d'identifier avec précision la distance, la vitesse et la direction des fronts nuageux.

Médecine Modifier

L'effet Doppler est également utilisé en médecine pour détecter la vitesse du flux sanguin. Ce principe est en effet exploité par les débitmètres Eco-Doppler (ADV, ou Acoustic Doppler Velocimeter), dans lesquels une source d'ondes sonores, généralement des ultrasons, est convenablement orientée. Ces ondes acoustiques sont ensuite réfléchies avec une nouvelle fréquence, en fonction de la vitesse vectorielle des particules sanguines, détectées et retraitées pour obtenir cette mesure de vitesse.

Une autre application est l'imageur laser Doppler, utilisé notamment pour les études sur l'angiogenèse, sur les dysfonctionnements endothéliaux, sur les ulcères cutanés, pour l'évaluation de produits pharmaceutiques ou cosmétologiques pour application locale, pour l'étude des brûlures.

Modifier la musique

Il existe des instruments de musique [2] qui exploitent l'effet Doppler pour produire des effets onomatopées particuliers comme le tambour à friction rotatif qui en Romagne est appelé «Raganella» [3]. Pour ce type d'instruments Fabio Lombardi est responsable des observations sur l'accentuation du rendement sonore due à l'effet Doppler [4]: ​​Lorsque le petit tambour tourne, l'auditeur perçoit deux pics de fréquence modulés progressivement et alternativement vers le haut et vers le bas, en raison de l'effet mentionné ci-dessus, et cela conduit à un son similaire au croassement d'une grenouille d'où le nom de l'instrument jouet. [5]


Vidéo: LE REVEIL DUROY - Le cri du Breviceps namaquensis.